Música na Pauta

CANSADO DISSO TUDO!!!

2009-12-14T09:45:00.004-03:00

A especulação como ferramenta de marketing é o que tem de mais chato dentro desse meio musical. Há algum tempo espero por datas de shows de determinados artistas, entre eles e principalmente ele, Paul McCartney.

Já ouvi que McCartney faria um show único e aberto em Brasília, depois ouvi que ele faria um show também em São Paulo. Fiquei animado quando o Rio de Janeiro entrou na lista de possíveis locais para show, mas novamente, Brasília foi citada como único local real do show.

Hoje, lendo "notícias", lá estava: "PAUL McCARTNEY E U2 NO RJ EM 2010".

Será que nossas caras entregam tanto assim o quanto somos otários?

O inventor do EMO...

2009-07-20T15:58:00.008-03:00

Será que ainda vão chamá-lo de Rei depois disso???

Nos constantes passeios pela internet, recebendo todo tipo de informação via Orkut, Twitter, Youtube e todas essas ferramentas que não sabemos bem porque usamos mas que não conseguimos abandonar, recebi um vídeozinho realmente revelador.

O ano é 1967... e muita música corria por aí em ritmo de aventura. Foi no filme entitulado “ROBERTO CARLOS EM RITMO DE AVENTURA” que o chamado “rei” lançou moda.

Palhaçada minha??? Na verdade não. Gostaria de ter percebido isso sozinho, mas o mérito não é meu e sim de um “velho” colaborador fã de coisas estranhas, que chamou a minha atenção pra "mancada" do amante à moda antiga. De qualquer forma, é impressionante como a vida é circular. Daqui a pouco estaremos andando pelas ruas com calças boca de sino, chupando Pirocóptero (alguém lembra disso?) e acharemos isso a coisa mais natural do mundo... devo deixar meus cabelos crescerem de novo???

Resta agora esperar ouvindo o clássico VOCÊ NÃO SERVE PRA MIM, com RC e seus chicletes bomba...

http://www.youtube.com/watch?v=0hHbwF5ThCg

MJ: Um adeus dolorido.

2009-06-26T10:37:00.015-03:00

E aos 50 anos ele ainda era aquele menino prodígio...

Michael Jackson foi minha primeira referência de ídolo musical e foi muito mais do que isso... mas mesmo que não tivesse sido, pra mim já seria o bastante. O garoto negro de Indiana/EUA que começou a cantar com apenas 5 anos de idade era só um “garoto” de vinte e poucos anos quando eu, com meus 5 anos, tentava imitar seus passos ao som de THRILLER, em 1982.

Ontem, 25 de junho de 2009, Michael Jackson e sua excentricidade se despediram do mundo. Mas quando Michael começou a morrer?

Em 1987, no lançamento do álbum BAD, eu comecei a “desconhecê-lo”. Michael fez sucesso nos anos 60 com os Jackson 5 pela Motown (maior gravadora de artistas negros dos EUA), nos anos 70 com os Jacksons pela EPIC (atual Sony) e ainda pela EPIC iniciou sua carreira solo encantando o mundo com OFF THE WALL e se consagrando de vez com THRILLER. Mas como disse antes, com BAD de 87 (que eu considero seu último grande álbum), Jackson já criava desconfiança. O álbum vinha de um longo período de recesso, decepcionou a crítica (os caras esperavam outro THRILLER, algo difícil) e sim, agora ele era branco. Pondo a música um pouco de lado, seu olhar havia mudado... e a partir daí Michael Jackson começou a perder, cada vez mais, suas expressões.

Foram especulações sobre sua sexualidade, escândalos de pedofilia e familiar, falência financeira, saúde... começou a ficar difícil para um sujeito como ele. Quem conhecia um pouco mais além do artista, via em Michael um cara tímido, sensível, gentil e frágil.

E insistem em acusá-lo de viver em um mundo de fantasias. Visão simplista demais em se tratando de uma personalidade tão complexa. Na verdade, Jackson enxergava muito bem o mundo. Ele só tentava suportar, "melhorando" o que podia.

Fiquei triste ontem e estou triste hoje. Confesso que fiquei esperando aquela última notícia anunciando um "alarme falso". Acordei hoje e a primeira coisa que pensei foi "Michael Jackson morreu".

Agora surgirão aquelas vozes dizendo coisas como "ele se vai, mas deixa a sua obra".

Eu ainda preferiria que ele estivesse por aqui... eu ainda esperava o seu último grande disco!!!

LYNYRD SKYNYRD: Quem são esses caras???

2009-03-24T17:06:00.006-03:00

Uma nota fresca: o Lynyrd Skynyrd acaba de anunciar a gravação de um novo álbum e uma grande turnê, tudo isso direto do além. Tá bom, alguns podem até dizer que a piada é de mau gosto, mas a minha memória, já não tão boa, me chamou a atenção para o fato de que praticamente todos os integrantes da banda hoje são apenas lembranças (só sobrou mesmo o guitarrista Gary Rossington).

Vamos ser sinceros... o Lynyrd Skynyrd, banda norte-americana fundada na década de 70, nunca fez parte da elite musical. Atingiu algum sucesso com hits como “Sweet Home Alabama” e “Simple Man”, mas seus maiores destaques estão nos trágicos noticiários que presenciamos aos longo dos anos. No ano de 77, em um acidente aéreo, morreram o vocalista Ronnie Van Zant e o guitarrista Steve Gaines. Já em 86 o guitarrista Allen Collins ficou paraplégico após sofrer um acidente de carro... Collins viria a morrer em 1990 vítima de pneumonia. Pós virada de século, em 2001, de causas ditas naturais morreu o baixista Leon Wilkeson, com apenas 49 anos. Em janeiro de 2009 foi a vez do tecladista Billy Powell dizer adeus.

O Lynyrd Skynyrd de hoje é uma colcha de retalhos formada por pessoas que vieram passando pela banda ao longo desses árduos anos, tentando ser algo que eles não são.

Musicalmente o grupo soa honesto. Bons instrumentistas que carregam o compromisso de fazer um som legal “baseado” no Lynyrd Skynyrd.... eu os definiria como uma bela banda cover mais cara que o normal.

... e a minha mensagem subliminar fica por aí, embutida!!!

Verão europeu...

2009-03-09T14:26:00.003-03:00

Sucesso nos anos 90 com hits como “Epic” e “Easy”, o Faith no More anunciou esta semana, através da assessoria do vocalista Mike Patton, a sua volta ao mundo da música. Separados desde 1998, o reencontro virá com uma série de apresentações no verão europeu. No comunicado não foram divulgadas datas, mas o período é marcado por uma série de festivais por toda Europa.

Ainda não houve qualquer pronunciamento de outro integrante da banda, mas os primeiros rumores surgiram em novembro passado. Na época o baixista Billy Gould se esquivou dizendo que não vinha falando com seus colegas de banda, mas sem efetivamente negar.

Não sou um fã deles, mas pra quem é talvez seja bom respirar velhos ares!!!

Trabalhando em um sonho...

2009-02-18T16:53:00.008-03:00

Uma bela voz de volta... eu definiria assim o lançamento do novo álbum de Bruce Springsteen, WORKING ON A DREAM.

Springsteen, o maior patriota da música norte-americana, trás um trabalho louvável baseado na música folk de Bob Dylan, Neil Young e Johnny Cash, suas maiores influências. Aliás, o último álbum de Bruce, Magic, já trazia um trabalho de bastante qualidade e com alguma abordagem dentro deste segmento.

O nome "Working On a Dream" já diz tudo: Bruce Springsteen vem carregado de esperança e apostando forte em Barack Obama, a quem deu total apoio... apesar que essa era a única coisa que poderíamos esperar de alguém que viveu os últimos anos “batendo” forte no governo do ex-presidente americano George W. Bush... mas eu não falo de política.

Com a banda de sempre, a E-street Band, Bruce solta sua voz rouca e se destaca em canções como “Kingdown Of Days”, “Outlaw Pete”, “The Wrestler” e claro, na faixa-título “Working On a Dream”.

Quem tiver curiosidade em ouvir o novo álbum de Bruce Springsteen é só buscar no My Space, onde algumas das músicas já estão disponíveis para audição... valerá à pena.

A-HA: Conforme prometido

2009-02-16T14:55:00.008-03:00

Conforme prometido, lá vão todas as informações necessárias para quem pretende curtir os shows dos noruegueses do A-Ha em solo tupiniquim:

São Paulo

O show acontecerá no Credicard Hall no dia 25/03 às 21:30 horas. O Credicard Hall fica localizado na Av. das Nações Unidas, nº 17955, em São Paulo. O telefone para contato é (11) 2846-6000. Os valores seguem discriminados abaixo:

Platéia Superior 3: R$ 100,00
Platéia Superior 2: R$ 120,00
Platéia Superior 1: R$ 130,00
Pista: R$ 180,00
Poltrona setor 2: R$ 200,00
Poltrona setor 1: R$ 250,00
Camarote setor 2: R$ 300,00
Camarote setor 1: R$ 350,00

Rio de Janeiro:

Por aqui o show acontecerá no Citibank Hall no dia 26/03 às 21:30 horas. O Citibank Hall fica localizado na Av. Ayrton Senna, 3000 - Cj. 1005 - Barra da Tijuca - Rio de Janeiro . Para qualquer contato basta ligar para 0300 789 6846. Os valores seguem abaixo:

Pista: R$ 140,00
Poltrona: R$ 300,00
Camarote: R$ 400,00

Sou mais o Garrincha!!!

2009-02-09T13:05:00.006-03:00

Talvez essa notícia já seja um pouco velha, afinal, foi publicada no último dia 06 de fevereiro (sexta-feira), mas eu precisava de alguns dias para digerir essa dolorosa informação... pronto, informação digerida.

A manchete dizia “PELÉ PLANEJA LANÇAR ÁLBUNS COM OS PARCEIROS BONO, MICK JAGGER E ELTON JOHN”.

Durante ensaio para um dueto (ou seria DUELO?) com Jair Rodrigues, Pelé, mais uma vez, abriu o dicionário de asneiras e soltou pérolas que incluíam dar andamento a sua carreira musical com participações de nomes como Bono, Mick Jagger, Rod Stewart, Paul Simon e Elton John. O dito “rei do futebol” ameaçou:

“O Jair é um irmão, sempre acreditou que eu poderia cantar. Quero gravar 10 CDs, meu número da sorte. Será um legado para a minha família. Imagina um álbum como o Duets do Frank Sinatra com o Pelé. Seria o máximo. Se eu precisasse desses cantores para fazer algum projeto, eles topariam.”

Será que ele não aprende? Depois de tantas parcerias que só serviram para mostrar que NEM JESUS SALVA, como o Sr. Edson Arantes ainda insiste nisso?

É um acúmulo de absurdos... o cara se compara a Frank Sinatra, acha de verdade que canta e ainda enche a boca para dizer que fez sucesso ao lado de Gilberto Gil, Elis Regina, Wilson Simonal e alguns outros loucos da música brasileira.

Acorda PelÉdeiro, você não tem talento. Aliás, ao longo de sua carreira ficou mais do que provado que você só teve valor dentro de campo.

PELÉ, EU SINTO VERGONHA POR VOCÊ!!!

Pô “Michaelzão”, além de tudo anda esquecido???

2009-02-04T13:15:00.012-03:00

Veio à tona, por esses dias, mais uma “boa” nova envolvendo o nosso querido cantor, compositor, bailarino e sexólogo pop Michael Jackson. Na verdade, o assunto com ele já estava até resolvido, mas como a cabeça anda fraca...

O cantor e saxofonista camaronês Manu Dibango, de 75 anos, abriu um processo em Paris nesta última terça-feira acusando Michael e a cantora Rihanna de usarem, sem autorização, fragmentos de sua composição “Soul Makossa” (cantada em Duala, idioma local), lançada em 1972 e que atingiu sucesso considerável, inclusive aqui no Brasil.

A história começou na década de 80, quando Jackson lançou o álbum Thriller, que trazia o single “Wanna Be Startin’ Something”. Em uma passagem da canção era cantada a frase “Mama-se, mama-sa, mama-coo-sa”. Já na época, após denúncia de Dibango, Michael admitiu o uso do trecho e acertou amistosamente com o camaronês um acordo financeiro.

E onde Rihanna entra nisso? Tudo andava bem até o dia em que a cantora resolveu pedir a Michael Jackson autorização para o uso de um trecho de “Wanna Be Startin’ Something” em sua canção “Please, Don’t Stop The Music”, de 2007. O esquecido, claro, autorizou… e Manu Dibango não perdeu tempo.

O resultado dessa brincadeira pode sair caro. Dibango está pedindo uma indenização de meio milhão de euros e ainda o bloqueio temporário da renda proveniente da canção até que o caso seja resolvido. A sentença sairá em 17 de fevereiro.

Minha opinião? Dibango é um grande oportunista que deveria tentar compor algo bom e fazer dinheiro sem se aproveitar da mídia dos outros. Aliás, mesmo com Michael Jackson tendo “assumido a culpa”, eu considero a semelhança entre “Soul Makossa” e “Wanna Be Startin’ Something” irrelevante para caracterizar um plágio, afinal, é só mais uma frase que como tantas outras se repetem em diversas músicas... mas como não sou eu que decido...

A Noruega é aqui

2009-01-29T14:38:00.003-03:00

Os mais saudosistas devem estar comemorando. A banda norueguesa A-Ha divulgou esta semana em seu site oficial as datas dos dois shows que fará este ano no Brasil. As apresentações acontecerão nos dias 25 e 26 de março no Credicard Hall em São Paulo e no Citibank Hall no Rio de Janeiro, respectivamente. Informações sobre preços e locais de venda de ingressos ainda não foram divulgados.

A vinda ao Brasil faz parte de uma turnê que a banda promove pela América do Sul e além dos shows do Brasil só está confirmada uma apresentação no dia 28 de março em Santiago, no Chile.

O grupo já passou por aqui em outras três oportunidades. Nas duas primeiras vezes, em 1989 e 1991 (esta durante o Rock In Rio 2), eles viviam o auge do sucesso, com hits como “Hunting High And Low”, “Take On Me” e “Touch”. A terceira foi em 2002, já considerada um revival.

O último registro em estúdio da banda aconteceu depois de um longo período de recesso e foi com o álbum “Analogue”, em 2005.

Quem estiver afim de matar a saudade desse tempo que não volta mais é só ficar atento e aguardar as boas novas, que eu trarei.

Desabafo prioritário

2009-01-22T13:17:00.006-03:00

Qual é a sua prioridade? Se for música, seja músico!!! Compre um instrumento, estude, invista e sempre aprenda (vai valer à pena). Para tudo é preciso dedicação e com música não é diferente. Agora, se você enxerga isso como um gasto, que sai caro e “desnecessário”, é sinal que música não é assim tão importante para você.

Então vá fazer outra coisa mais “barata”... de repente bater uma bola num campo de barro qualquer por aí, afinal de contas, essa é uma diversão barata!!!

Mas vá rápido, porque o tempo está passando e você não sabe até quando suas pernas irão aguentar essa maratona de correr atrás de uma bola...

Álbum Branco agora é 40tão!!!

2008-11-21T10:29:00.011-03:00

Em 22 de novembro nascia oficialmente o então mais novo álbum dos Beatles, intitulado THE BEATLES. Devido à sua capa totalmente branca, não demorou muito para que ele ganhasse o apelido de Álbum Branco, que é como é conhecido até hoje. Mais do que qualquer outro, esse álbum demonstrava claramente a individualidade de John, Paul, George e Ringo.

Mas o Álbum Branco não se tornou um marco à toa. Pela primeira vez na história era editado um álbum duplo, fato que na época incomodou bastante o produtor George Martin, que era a favor do lançamento simples. A essa altura Sir Martin já não tinha mais como impedir a decisão do quarteto e acabou tendo que ceder. Curioso é que mesmo sendo um duplo, muitas músicas acabaram ficando de fora, tendo sido algumas delas lançadas nas carreiras solo de Lennon, McCartney e Harrison e em singles e álbuns posteriores dos próprios Beatles (entre elas “Hey Jude”, “Mean Mr. Mustard”, “Junk”, “Child Of Nature”, “All Thing Must Pass” e “Not Guilty”).

O Álbum Branco é um trabalho de diversidade repleto de histórias, com músicas que não se falam, mas que ainda assim, mantém unidade. Porém, a maior polêmica que o envolve não diz respeito à sua música como foco principal e sim sobre os assassinatos cometidos por Charles Manson e seus seguidores, que pregavam uma guerra civil em favor da separação de brancos e negros. Manson dizia conversar com os Beatles através de mensagens subliminares embutidas em músicas como “Helter Skelter”, “Blackbird” e “Piggies”, e usou isso como argumento para justificar seus maus costumes.

Mas o que importa mesmo são músicas, então vamos entendê-las.

Álbum Branco música à música:

Back In The U.S.S.R. - Segundo Paul McCartney, se trata de uma brincadeira com o cantor e guitarrista Chuck Berry (autor de “Back In The USA”) e os Beach Boys. Paul comenta que a coisa de substituir USA por USSR e garotas da Califórnia por garotas da Ucrânia era, com certeza, bastante divertido. A gravação foi realizada sem a presença de Ringo Starr, que havia brigado com Paul por discordar de como a bateria deveria ser tocada, tendo o próprio Paul tocado o instrumento. O som do avião foi captado de um jato no aeroporto de Londres.

Dear Prudence – Essa foi gravada no mesmo período de “Back In The U.S.S.R.” e também teve Paul na bateria. John Lennon a escreveu como um incentivo à Prudence, irmã da atriz Mia Farrow, que fazia parte do mesmo grupo que visitava a Índia. A moça se encontrava em um momento depressivo e “Dear Prudence” a convidava para “ver o sol”.

Glass Onion – Fã, em geral, é louco... e os fãs dos Beatles não poderiam ser diferentes. Aqui John “ri” da cara das pessoas que, incansáveis, interpretam letras e buscam mensagens ocultas na obra da banda. "Glass Onion" foi feita para criar o caos na mente dessas pessoas. Fazendo várias referências a outras canções, John cita "Strawberry Fields Forever", "I Am The Walrus", "Lady Madonna", "The Fool On The Hill" e "Fixing a Hole", usando dobradinhas totalmente sem sentido.

Ob-la-di Ob-la-da – Mais uma daquelas historinhas que Paul gostava de contar. Os personagens? Esses eram Desmond e Molly... ele dono de uma carrocinha no mercado e ela uma cantora. A sessão de gravação foi tumultuada, visto que Paul nunca se dava por satisfeito e o restante da banda, depois 42 horas de trabalho, já não aquentava mais (basta ouvir o desespero de Lennon ao tocar o piano na introdução da canção). Paul queria lançá-la como single, mas os outros três Beatles não gostaram muito da idéia.

Wild Honey Pie – “Wild Honey Pie” foi gravada apenas por Paul, enquanto George viajava e John e Ringo trabalhavam em “Yer Blues” e em “Revolution 9” em outro estúdio. É uma canção bem simples, de poucos segundos, que brinca em cima de outra música de Paul chamada “Honey Pie”, do mesmo álbum.

The Continuing Story Of Bungalow Bill – Típica tirada do humor britânica. Em “Bungalow Bill” Lennon brinca com um americano que também meditava na Índia, mas que teve de se ausentar por uns dias para caçar tigres, voltando mais tarde para seus estudos espirituais. No dia da gravação, todos que estavam nos estúdios da Abbey Road foram intimados a cantar o refrão e promover aquela bagunça no final da canção, incluindo as esposas Yoko Ono, Pattie Boyd e Maureen Starr. Foi Yoko também a responsável pela voz infantil que canta a frase “But when he looked so fierce”.

While My Guitar Gently Weeps – George Harrison teve quatro músicas no Álbum Branco e “While My Guitar Gently Weeps” foi a mais bem sucedida comercialmente. Mesmo sendo um álbum duplo, foi difícil para Harrison conseguir espaço para suas canções. Certa vez o próprio declarou: “Tive que fazer umas 10 de John e Paul antes que me dessem uma chance”. O destaque ficou para o solo de um tal convidado especial chamado Eric Clapton. A presença de Clapton serviu também para entusiasmar os outros Beatles a trabalharem na canção. Por razões contratuais Eric Clapton não teve seu nome creditado.

Happiness Is a Warm Gun – “A felicidade é uma arma quente”... John teve a idéia do título a partir de uma revista sobre armas. Em mais uma letra perturbadora Lennon dizia coisas como “Ela não é uma garota que perde muito. Ela conhece bem o toque da mão de veludo como um lagarto numa janela” e “Preciso de um pico porque estou indo para baixo”. A música sofreu acusações de fazer referência às drogas (onde “arma” seria “seringa”) e de carregar apelo sexual, tendo inclusive a sua execução banida da rádio BBC.

Martha My Dear – Reza a lenda que Paul foi o único Beatle a participar da gravação, fazendo baixo, piano, guitarra, bateria, palmas e vocais, tudo acompanhado de 14 músicos de metais e cordas. A música foi feita em homenagem à cadela de Paul chamada Martha e teve arranjo de cordas de George Martin.

I’m So Tired – John a escreveu enquanto estava na Índia se cansando com a meditação de Maharishi Mahesh Yogi. A letra reflete os “cuidados” de Lennon para combater a insônia, como alguns drinks e cigarro. Em uma passagem ele canta: “Embora eu esteja tão cansado, vou acender outro cigarro e xingar Sir Walter Raleigh. Ele foi um idiota estúpido.” (Sir Walter Raleigh foi o responsável por introduzir o tabaco na Inglaterra).

Blackbird – Nessa bonita balada de dedilhado singular Paul aparece sozinho com o seu violão. Propositalmente, McCartney pediu que fosse colocado um microfone junto aos seus pés para que houvesse a captação da marcação de tempo que ele fazia, criando uma “imagem” percussiva.

Piggies – George estava inspirado quando fez. Alguns pesquisadores dizem que a letra faz referência ao romance inglês “Animal Farm” ("A revolução dos bichos"), de George Orwell. Na letra temos porcos pequenos que apenas “comem” lama e porcos grandes, com roupas limpas e que jantam bacon (de porcos pequenos) com suas esposas. Como curiosidade, temos o fato de que além dos loops com roncos de porcos tirado da biblioteca sonora da EMI, Paul McCartney fez questão de gravar um trecho imitando um porco.

Rocky Raccoon – Com humor, McCartney conta a história do caubói Rocky Raccoon, morador dos morros do estado de Dakota, que vai atrás de sua mulher, Magill, por ela tê-lo traído e fugido com um sujeito chamado Dan, só que o homem é rápido demais e quem acaba baleado é o próprio Rocky. Na gravação final o solo de piano ficou por conta de George Martin.

Don’t Pass Me By – Está é primeira música dos Beatles composta somente por Ringo Starr (pelo menos nos créditos), e levou cinco anos para ser finalizada. Da gravação participaram somente Ringo e Paul, juntos aos violinista Jack Fallon.

Why Don't We Do It In The Road? – Típico Blues composto por Paul, foi uma das últimas a serem gravadas e teve apenas Paul e Ringo nas sessões, pois John e George estavam acompanhando algumas mixagens em um outro estúdio. Em “Why Don’t We Do It In The Road?” Paul mostra porque é considerado um dos maiores cantores de Rock’n’Roll da história, desfilando com perfeição seus recursos vocais. John Lennon, que era grande fã da música, ficou bastante chateado ao saber que não o haviam esperado para as gravações.

I Will – Outra bela balada de Paul e a primeira feita para Linda Eastman (futura Sra. McCartney). Mesmo sendo uma canção simples, foram precisos 67 takes até que Paul se desse por satisfeito. Em “I Will”, McCartney gravou o baixo com a boca, ou melhor, “baixo de boca”, onde ele usou a boca para fazer o som de baixo.

Julia – Julia é uma declaração de amor de John para sua mãe, que apesar de não tê-lo criado, foi a principal incentivadora de Lennon em sua adolescência. Julia morreu atropelada quando John tinha apenas 17 anos e isso, junto à sensação de abandono, se tornou um grande trauma para ele e a principal causa associada à sua rebeldia. Foi gravada apenas por John, cantando e tocando seu violão, e carrega uma grande carga emocional.

Birthday – Uma forte influência de Little Richard... composta quase que entre os intervalos do filme “The Girl Can’t Help It” da “rainha do rock”, como o próprio Little Richard gosta de ser chamado, “Birthday” tem o resgate de Paul ao vocal rasgado e um John convidando para festa. A canção se tornou o “Parabéns pra você” dos rockers de plantão.

Yer Blues – É blues... algo raro na obra dos Beatles. Com Lennon no vocal, foi gravada ao vivo em um anexo do estúdio dois da Abbey Road. O objetivo era criar uma ambiência diferente, capturando o espírito blues. Curiosamente, a contagem de Ringo que abre a canção foi gravada dias depois.

Mother’s Nature Son – McCartney é o único Beatle nessa gravação, que conta a história de um jovem camponês pobre que se nomeia filho da mãe natureza. Além do Paul, participam também os músicos responsáveis pelos instrumentos de sopro.

Everybody's Got Something To Hide Except Me and My Monkey – Para essa existiram vários motivos. Os Beatles estavam na Índia e os dizeres de Maharishi tinham enorme peso para eles, vide o número de referências nas diversas canções deste período. Entre tantas frases, “Everybody’s got something to hide except me” era uma que chamou bastante a atenção de John. A parte onde Lennon inclui “and my monkey” é só uma brincadeira com um jornal inglês que na época publicou uma charge que mostrava Yoko Ono como uma macaca nas costas dele.

Sexy Sadie – Lennon escreveu essa como uma crítica ao Maharishi, após tomar conhecimento que o guru assediava discípulas... aliás, o nome original da canção era “Maharishi”, mas por pressão de George Harrison, que temia processos, o nome foi mudado. Até sua finalização, “Sexy Sadie” consumiu 35 horas de estúdio.

Helter Skelter – Unir o útil ao agradável, essa foi a proposta de “Helter Skelter”. Na época, Pete Townshend havia dado uma declaração que dizia que o então single do The Who “I Can See For Miles” era a canção mais barulhenta e crua que alguém já havia feito. A junção disso com o incômodo sentido em ser sempre “acusado” de só fazer baladas fez o Beatle tomar a atitude de criar algo ainda mais barulhento. Helter Skelter é considerada por muitos como o primeiro Heavy Metal a ser gravado. Existe uma versão com o tempo de 27 minutos, até hoje não lançada oficialmente, que foi registrada em uma jam.

Long, Long, Long – Depois da quebradeira de “Helter Skelter”, nada melhor do que a calmaria de George. “Long, Long, Long” é uma bela canção com uma letra que deixa dúvida em relação à sua abordagem: AMOR ou RELIGIÃO. O destaque nessa fica para o ruído que existe no final da canção, que foi conseguido como resultado da captação da vibração de uma garrafa de vinho em cima do amplificador de Paul.

Revolution – No ano de 68 Lennon resolveu que ia fazer revolução... e fez logo três. A primeira “Revolution”, com guitarras e bem mais agressiva, saiu em compacto como lado B de Hey Jude. Há também a versão feita de colagens sonoras (Revolution 9) que abordaremos mais à frente. Essa versão é basicamente a mesma música lançada no compacto, porém com um arranjo mais suave, que inclui violões e metais. Na letra John defende a revolução sem confronto, através da mudança individual.

Honey Pie – Feita por Paul ao estilo das bandas de jazz dos anos 20. A influência das Big Bands era muito forte na vida de McCartney pela presença de seu pai, James McCartney, que era pianista do segmento. Na gravação o objetivo era fazer soar como um registro antigo, meta que foi atingida... basta ouvir.

Savoy Truffle – George Harrison fez “Savoy Truffle” para homenagear o amigo Eric Clapton, que era famoso por sua adoração a doces. O arranjo de sopros foi escrito por Chris Thomas, que era assistente de George Martin. Depois dos metas prontos, Harrison teve a idéia de pedir ao engenheiro Ken Scott que distorcesse o som. Scott conseguiu o efeito desejado enviando os sopros em dois amplificadores saturados. Antes de mostrar aos músicos, George de antemão pediu desculpas pelo que eles ouviriam. A surpresa não agradou muito aos instrumentistas, mas fazer o quê?

Cry Baby Cry – Em “Cry Baby Cry”, John se inspirou em um comercial de flocos de milho que mandava que as crianças chorassem para suas mães para conseguir o biscoito. A gravação é recheada de brincadeiras envolvendo o panorama vocal dentro da canção.

Revolution 9 – Não podemos chamar essa de música. “Revolution 9” é um bando de colagens, pedaços de canto de Paul, diálogos, gritos e uma voz em loop dizendo “number nine”, que foi encontrada por Lennon em uma fita nos estúdio da Abbey Road... um verdadeiro Mantra. “Number 9” é, com certeza, a peça experimental de maior alcance público já apresentada.

Good night – Cantiga de ninar composta por John para seu filho Julian e cantada por Ringo. Surpreende pela doçura e delicadeza da letra, totalmente oposta ao que Lennon costumava escrever.

Na história da música existem grandes álbuns, com marcas inegáveis e números assombrosos... mas para poucos a vida começa aos 40!!!

Hora da bronca!!!

2008-11-13T15:01:00.018-03:00

Talvez a maior homenagem que eu poderia prestar ao Mitch Mitchell hoje seria não postar nada sobre ele... mas se eu fizesse isso como iriam saber que se trataria de uma homenagem?

Por favor, não riam das minhas reflexões!!!

Mitchell, famoso baterista da Jimi Hendrix Experience, teve sua foto estampada em vários jornais hoje com a notícia de sua morte no último dia 12 de novembro (ontem) aos 61 anos. Para muitos não faz a menor diferença. Aliás, para muitos ele já estava até morto... teria morrido junto com Hendrix.

É assim que se faz por aqui. Há anos "matamos" várias dessas pessoas. Foi assim com Mitch Mitchell e é assim com Scotty Moore, Denny Laine, Bill Wyman e tantos outros que fizeram parte de algo ou de alguma coisa e hoje estão perdidos por aí, sendo ouvidos por uma minoria que ainda se importa... e se alguém não conhece algum desses nomes citados, uma pesquisada rápida poderia esclarecer bastante coisa.

Onde eu quero chegar? Mitch Mitchell foi um excepcional baterista, comparado a nomes como John Bonham e Keith Moon, e grande responsável pelo que chamamos hoje de Fusion. Mitchell morreu de causas aparentemente naturais em um quarto de hotel em Portland, enquanto fazia a última parada de sua modesta turnê "Experience Hendrix". Além de ter tocado com Jimi Hendrix, Mitch Mitchell tocou também com John Lennon, Keith Richards e Eric Clapton.

Enquanto isso, seguimos nossas vidas esperando que esses caras morram para batermos palma!!!

De olho no futuro

2008-11-10T15:55:00.011-03:00

Me lembro como se fosse ontem... foi em 1988, após adquirir seu álbum de estréia, que ouvi pela primeira vez o nome Tracy Chapman. O curioso é que na época, devido à falta de informação causada pelo não acesso à internet, a grande maioria das pessoas achavam que a cantora se tratava na verdade de um cantor. Confusão perfeitamente aceitável, vide a aparência de Tracy no álbum intitulado apenas como TRACY CHAPMAN.

Mas esse álbum tinha algo de diferente. Na era dos sintetizadores, Chapman trazia um "simples" álbum folk, repleto de Hits. Quem não se lembra de "Baby, Can I Hold You?", "Talkin' Bout A Revolution" e "Fast Car"? Merecidamente, em 1989 a cantora foi premiada com quatro Grammy Awards.

Com uma carreira instável, Tracy seguiu sem o mesmo sucesso, com trabalhos de pouca aceitação crítica que agradavam mais a um grupo seleto de fãs do que ao grande público. Ainda assim, em 1995 ela lançou NEW BEGINNING, que obteve um bom resultado de vendas, com destaque para "Give Me One Reason". Daí pra frente, recomeçou a saga de Tracy Chapman na busca pelo "álbum perfeito".

Sem lançar qualquer material desde 2005, Tracy Chapman reaparece com OUR BRIGHT FUTURE, com 11 faixar inéditas inspiradas em sentimentos e questões sociais e políticas, tema marcante em sua obra.

O álbum tem lançamento em território norte-americano previsto para amanhã (11/11/2008). Nós teremos que esperar mais um pouco.

Merece uma citação

2008-11-07T15:27:00.005-03:00

Aconteceu em Liverpool na noite desta quinta-feira, dia 6 de novembro, a premiação do MTV Europe Music Awars. O destaque foi para Paul McCartney, que aos 66 anos recebeu o título de Ultimate Legend (lenda definitiva).

O prêmio foi entregue pelo cantor Bono, do U2, que declarou: "Este é o homem que inventou a minha profissão".

Com o rosto do presidente americano eleito, Barack Obama, no telão, Paul agradeceu: "Muitos anos atrás, quatro jovens rapazes nasceram aqui em Liverpool e acabaram se dando muito bem. Portanto, muito obrigado à minha família, para todos vocês que vieram depois, para todos de Liverpool, para todos na Grã Bretanha, para todos na América por votarem em Obama".

É isso aí, mais um para coleção.

Um bando de chatos...

2008-11-06T14:28:00.009-03:00

Eu gosto de polêmica, quem me conhece sabe disso. Ontem, “folheando” virtualmente o Globo.com, encontrei uma matéria intitulada “Chico Buarque é um chato” .

Nessa hora eu pensei: “Genial, alguém com coragem”.

Num mundo repleto de “fazedores de média”, onde não basta às pessoas se preocuparem em ser politicamente corretas, mas ainda policiam e podam idéias alheias, um cara que chega sem medo de ser enforcado com a própria língua merece todo o meu respeito... me fez até lembrar a postura dos Rockstars das décadas passadas.

Mas quem era esse homem corajoso? Na verdade não era apenas um, mas 2 caras: Lobão e Nelson Motta.

Nessa matéria postada no Blog Máquina de Escrever, do G1, pelo escritor e jornalista Luciano Trigo, vemos Lobão e Nelson Motta soltando o verbo em cima de nomes como João Gilberto, Roberto Menescal, Carlos Lyra e Agnaldo Timóteo (a quem Lobão chamou de tremenda bichona), além de Chico Buarque, é claro.

Independente de opiniões, vale à pena dar uma lida clicando aqui.

... e eu também acho o Chico Buarque um chato!!!

E eu fiz PIADA

2008-11-05T13:37:00.002-03:00

No dia 09 de abril deste ano, eu postei aqui neste blog uma matéria intitulada “Uma grande PIADA”. No texto eu expressava as minhas impressões em relação ao tão falado e nunca lançado álbum CHINESE DEMOCRACY, da popular banda Guns N’Roses.

Pois finalmente chegou a hora... eu acho. Depois de tantas especulações e o single “Chinese Democracy”, lançado no último dia 22 de outubro, finalmente já podemos encontrar o tão esperado álbum em pré-venda nas grandes lojas virtuais do Brasil.

Com 14 faixas, CHINESE DEMOCRACY tem previsão de lançamento por aqui para o dia 27 de novembro.

É, pelo visto, depois de mais de 15 anos de espera, o Guns está de volta com algo novo (mas nem tanto).

"Os Fireman encontraram sua Voz".

2008-11-03T12:57:00.006-03:00

Dessa vez o cara me surpreendeu...

Como todo fã, eu sempre espero coisas legais quando o assunto é Paul McCartney, porém, o projeto The Fireman é algo totalmente à parte.

Para quem não conhece, no início da década de 90 McCartney se juntou ao baixista e produtor Youth (ex-integrante da banda Killing Joke e produtor de nomes como The Verve, Take That e Tom Jones, entre outros) para dar início a um projeto totalmente diferente de tudo que ambos haviam feito até então. Durante algum tempo, a identidade deles também foi mantida em segredo... e sobre a música, era “simplesmente” uma instrumental psicodelia eletrônica baseada fortemente no Trance. Os dois primeiros álbuns foram Strawberries Oceans Ships Forest (1993) e Rushes (1998).

Depois de um recesso de 10 anos, a dupla resolveu se reencontrar e dar início ao “volume 3”. Em apenas 13 dias (não contínuos), sem planos ou direção do que queriam, Paul McCartney e Youth gravaram 13 canções, compondo (todas composições de McCartney) e gravando cada faixa em apenas 1 dia. Ao trabalho deram o curioso nome ELECTRIC ARGUMENTS.

Poderia ser mais um álbum do The Fireman se não trouxesse novidades tão claras… pela primeira vez haviam vozes em um álbum do The Fireman. A verdade é que esse álbum poderia tranquilamente se passar por um álbum de carreira de Paul McCartney (talvez um pouco mais conceitual, mas ainda Paul).

Com belíssimas canções, a dupla deixa de lado um pouco do excesso de experimentalismo (vejam bem, eu disse UM POUCO) e trás à tona, com merecido destaque, melodias bem mais pulsantes do que o esperado, como em “Nothing Too Much Just Out Of Sight”, “Two Magpies”, “Sing The Changes”, “Sun Is Shining”, “Lifelong Passion” e “Don’t Stop Running”, só para citar algumas.

Há aproximadamente 1 mês atrás, em uma entrevista pautada no novo álbum do The Fireman, Paul McCartney declarou: “Isso pode acabar com a minha carreira. Pode ser o momento mais constrangedor da minha vida.”

... por isso eu gosto tanto do humor britânico!!!

Quais os seus direitos???

2008-10-30T13:55:00.026-03:00

O objetivo aqui não é criar especialistas em direitos autoral e conexo, até mesmo porque eu não sou um. A brincadeira é tentar entender, de uma forma mais simples, como as coisas funcionam.

Lá vamos nós:

O DIREITO AUTORAL surgiu para proteger “idéias”, reservando-as aos seus autores o direito exclusivo sobre o composto (em caso de música, LETRA e MELODIA), ou seja, é o nome que se dá aos direitos outorgados aos autores de obras intelectuais. Apesar da constante confusão, Direito Autoral não é necessariamente o mesmo que COPYRIGHT, visto que este pode ser vendido pelo autor. Clareando as idéias, Copyright se refere ao direito de cópia, de reprodução, ou seja, protege a obra em si, dando ênfase à exploração financeira da obra, enquanto que o direito de autor está ligado ao fator patrimonial. Um exemplo clássico que podemos citar é o que envolve grande parte do acervo dos Beatles (músicas de autoria de John Lennon e Paul McCartney), que tiveram seus direitos de copyright vendidos ao cantor Michael Jackson (que inclusive já perdeu parte desses direitos). Isso significa que todo recurso financeiro recebido por reprodução e execução de músicas dos Beatles soma na conta de Michael Jackson, porém, nos créditos veremos sempre “Lennon/McCartney” (essa é a garantia do autor).

O que diz na lei (Artigo 15, inciso 1º):

“Não se considera co-autor quem simplesmente auxiliou o autor na produção da obra literária, artística ou científica, revendo-a, atualizando-a, bem como fiscalizando ou dirigindo sua edição ou apresentação por qualquer meio.”

Mas e o cara que tem todo aquele trabalho de estudar as canções, criar camadas, incorporar novas idéias? De estrutura semelhante, temos o DIREITO CONEXO. Essa fatia da pizza surgiu junto com a tecnologia. No momento em que as obras passaram a ter um registro gravado, se enxergou a necessidade de dar crédito às pessoas que, mesmo sem serem propriamente autores, carregavam participação definitiva no processo de criação (Produtores Fonográfico e Musical, Arranjadores, Músicos etc). É nítida a interdependência que há nesse “complexo de direitos”.

Entendido o que é de quem, a dúvida fica por conta de saber como se recebe isso (onde está a grana).

Não basta se dirigir a uma Biblioteca ou à UFRJ, munido de letra e partitura, registrar a música e deitar na rede esperando o dinheiro entrar. Essa iniciativa garante o reconhecimento como autor, mas não o recebimento por isso.

A primeira coisa a se fazer é se filiar a uma das associações que compõem o ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição), que serão responsáveis legais dos associados para arrecadar e distribuir os direitos de execução pública musical. A cada nova música gravada (mesmo que sejam várias gravações de uma mesma música contendo pequenas alterações), o cadastro deverá ser feito em sua sociedade, informando o percentual de participação que cabe a cada “integrante”, pois esta informação é fundamental para a distribuição dos direitos às partes. Esse cadastro gera uma numeração de registro da gravação, que chamamos ISRC (Código Internacional de Normatização de Gravações).

O ISRC foi desenvolvido para que fosse possível identificar gravações sonoras e audiovisuais, facilitando o intercâmbio de informações e simplificando a sua administração. Esse código é atribuído à gravação para que a cada execução da música a leitura do ISRC seja feita, permitindo identificar os titulares e as percentagens correspondentes aos direitos autoral e conexo.

Entrando agora no assunto recolhimento, para cada tipo de evento (shows, festas, academias e eventos diversos), o ECAD adota um diferente critério de cobrança. Vale à pena citar que a distribuição de direitos provenientes de execução em rádios é feita por amostragem, conforme critérios mundiais, de forma regionalizada e por meio de rodízio, o que gera grande polêmica e vale uma discussão à parte.

Abaixo temos duas gravações diferentes para uma mesma música, WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS, de autoria de John Lennon e Paul McCartney. Na primeira, executa pelos Beatles, Lennon e McCartney (ou Michael Jackson, se ele tiver o direito de Copyright sobre ela) recebem os direitos autorais e juntos à gravadora, ao produtor e aos outros integrantes da banda, recebem a parte referente aos direitos conexos. Na segunda gravação, lançada por Joe Cocker, Lennon e McCartney recebem os percentuais referentes aos direitos autorais enquanto Joe Cocker e sua banda, mais seu produtor e gravadora dividem os direitos conexos... as diferenças entre as duas versões, definitivamente, não são poucas!!!

The Beatles:

http://br.youtube.com/watch?v=poUoCggQZd0

Joe Cocker:

http://br.youtube.com/watch?v=WRerngC_dCI

Finalizo por aqui e espero ter ajudado no entendimento de como funciona essa “colcha de retalhos” onde RETALHOS = DIREITOS... e não se preocupem, seus direitos estarão garantidos.

O que está acontecendo???

2008-10-27T13:02:00.009-03:00

Já há algum tempo eu me “apresentava ausente” (combinação estranha) por aqui. Os motivos eram muitos: falta de tempo, mais falta de vontade do que de tempo, falta de assunto, falta de algo que me estimulasse a escrever uma só linha.

Pois bem, estou de volta!!!

Como sempre faço, resolvi dar uma olhada nas principais notícias de hoje... então lá vai:

"Amy Winehouse volta a hospital por problemas respiratórios."

Acho que não há nada de novo nisso.

“"High School Musical 3" lidera bilheterias no fim de semana.”
O que eu posso fazer? Eu tenho filhos, fui obrigado a financiar isso.

“Britney Spears pode estrelar sua própria biografia.”
Pára o mundo que eu quero descer!!!

“Panic At The Disco prepara o clima para o Halloween.”
Chato, chato...

“Fall Out Boy adia lançamento de álbum por causa da eleição.”
Não falo sobre política.

“Ex-tecladista do Grateful Dead morre aos 74 anos.”
Poderia render algo legal... se alguém soubesse quem ele é (nem o Wikipédia sabe).

Pelo jeito, mais um monte de notícias furadas. Mas pra não perder a viagem, ouçam “Dig Out Your Soul”, o novo álbum do Oasis, acessando o My Space (www.myspace.com/oasis)... Me soou bastante interessante!!!

Ééééééééééééé...

2008-06-19T14:24:00.004-03:00

Eu acreditava que o último dia 17 de junho seria um dia muito importante, afinal, depois de tantos anos (nem me lembro quantos), Chuck Berry, um dos criadores e divulgadores do Rock’n’Roll pelo mundo, estaria de volta ao Brasil para uma seqüência de apresentações, começando pelo Rio de Janeiro (justamente no dia 17).

Uma série de fatores (entre eles uma data ruim e ingressos com valores bem salgados) não permitiu a minha presença durante o show desse senhor que já há algum tempo nem se preocupa mais em afinar a guitarra. Me restava então abrir os jornais no dia seguinte para “receber” todas aquelas informações que eu buscava... e para minha surpresa, NADA!!!

Confesso que procurei bastante pela internet, em páginas de “grandes” jornais do Rio e em sites relacionados diretamente à música. Hoje, dois dias depois (19/06), “avistei” matérias comentando sobre o grande show realizado... ontem, em São Paulo!?!?!?!?!!?

Minha intenção aqui é pedir algum esclarecimento. Não é bairrismo, mas “onde foi parar o show do Rio"??? Sei lá, será que eu enlouqueci e estou com minha cabeça em um mundo paralelo???

In Liverpool...

2008-06-05T10:10:00.003-03:00

Domingo, dia primeiro de junho de 2008... essa data não só prometeu como ainda promete.

Como alguns já sabem, a cidade portuária de Liverpool, localizada ao norte da Inglaterra, foi designada capital cultural da Europa durante 2008... claro que isso merece comemoração. A festa começou no dia 11 de janeiro com um grande show ao ar livre do ex-Beatle Ringo Starr, mas o mais esperado aconteceu no domingo: o ex-Beatle Paul McCartney se apresentou em um megashow, com direito a clássicos como "Hippy Hippy Shake", "A Day In The Life" e "In Liverpool", entre tantos outros.

O show "Liverpool Sound" aconteceu em Anfield (estádio da equipe de futebol de Liverpool) e fez 40 mil pessoas bem mais felizes.

Paul, que há cinco anos não se apresentava em sua cidade, fez Nick Hodgson, integrante do Kaiser Chiefs, declarar:
"Acho que Paul McCartney talvez seja a pessoa viva com mais influência no mundo da música; sem a influência dos Beatles, nada seria a mesma coisa".

Nos resta agora torcer por mais esse DVD...

MP3: O inimigo nº 1 do Engenheiro de Gravação

2008-05-20T16:57:00.008-03:00

Já começo dizendo que eu sempre fui (e continuarei sendo) contra o uso abusivo do MP3, formato que se popularizou entre os populares apreciadores de música.

Claro que antes de começar a bater, eu reconheço que o formato pode ser muito útil quando pretende-se comunicar algo via áudio, inclusive música. Como exemplo, posso citar um trabalho de mixagem, onde tempo é dinheiro (e onde a pressa é a grande inimiga). Às vezes é preciso enviar arquivos/músicas via e-mail para qualquer tipo de aprovação, e é nessa hora que o formato se torna o salvador da pátria.

Agora vamos às desvantagens... O que é o MP3??? Simplificando, o MP3 é um formato de áudio comprimido, onde são cortadas o que chamamos de freqüências mascaradas (freqüências que teoricamente não são ouvidas pelo ouvido humano). Acontece que na prática a coisa não é tão bonitinha assim. Como se explica uma música com média de 3 minutos, que no formato WAV representa um arquivo do tamanho 30 MB, se transformar em um MP3 de 3 MB?

Eu explico: TEM MUITO MAIS COISA CORTADA AÍ!!!

O ouvido humano não tem uma percepção linear. As freqüências que mais nos chamam atenção são as médias freqüências, principalmente em torno de 3000 HZ. Nessas freqüências estão localizados os toques de celulares, as sirenes dos alarmes, rádios e o... MP3.

A compressão que acontece dentro do áudio atua cortando sub-graves, graves e agudos, deixando na cara todas aquelas freqüências médias (média grave e média aguda).

Vamos então agora entender em que momento isso atinge o amigo técnico. Com a alta rotatividade do MP3, as pessoas pararam de comprar CDs e passaram a baixar suas músicas preferidas para ouvi-las em um player qualquer de MP3... entre essas pessoas, muitos músicos com “OUVIDOS VICIADOS” que saem de um estúdio com sua música masterizada e não entendem porque sua música toca “mais baixo” do que aquela gravação “profissional” que há no MP3 dele. O que acontece é fácil de explicar: a REAL gravação profissional tem suas freqüências distribuídas entre várias bandas (sub-grave, grave, médios e agudo). Considerando que partes dessas bandas de freqüências sonoras não atuam da mesma forma aos nossos ouvidos, o que concluímos é que a nossa percepção auditiva não representa um volume real (RMS). Mesmo que normalizemos músicas dentro de padrões estabelecidos em DBs, a equalização vai mudar a compreensão do que ouvimos. Procurem ouvir as mesmas músicas que vocês curtem extraindo-as de um CD original e percebam a diferença.

Com softwares específicos de áudio é possível usar uma ferramenta chamada ANALISADOR DE ESPECTRO, onde tudo isso fica bem claro. Nela vemos que esses arquivos MP3 que circulam por aí não passam de músicas sem grave e sem agudo, que se aproveitam dos médios pra tentar nos seduzir.

Eu, particularmente, me recuso a usar o MP3 além do mínimo necessário para minha sobrevivência. Não possuo MP3 player portátil, não possuo CD MP3 no meu carro (e caso um dia venha ter, ainda tocarei meus tradicionais CDs em WAV/CDA) e não ouço rádio FM. Desta forma, considero meus ouvidos ainda limpos desse vício. Minha intenção não é pregar contra o formato, e sim pedir que o use com moderação, de preferência, acima do comum 128 kbps.

Para encerrar, eu deixo aqui a seguinte pergunta no ar: de que adianta a melhor captação sonora, equalizações diversas e todo aquele trabalho dos infernos dentro dos estúdios de gravação se no final tudo se converterá em MÉDIOS???

P.S.: E o pior é que tem muita gente que diz: “AAHH, É A MESMA COISA.”

Uma grande PIADA

2008-04-09T15:13:00.006-03:00

A falta de imaginação nos dias atuais está mesmo bastante aflorada. Foi postada essa semana no site AllYourTV.com a notícia de que a banda norte-americana Guns N’ Roses traria a “grande novidade” de transformar em Reality Show a gravação de seu próximo álbum. Segundo o site, Axl Rose já estaria em negociação com executivos de um canal americano de TV para a produção deste programa que abordaria a criação e o lançamento do álbum: CHINESE DEMOCRACY... é isso mesmo. Vamos então relembrar a(s) história(s).

HISTÓRIA 1:

O álbum Chinese Democracy já é um velho conhecido nosso. Famoso por estar sendo adiado há quase 10 anos (começou a ser gravado em 1997, com single em 1999 e lançamento previsto para 2002, adiado por várias vezes até os dias de hoje), o disco que já custou cifras em torno de 13 milhões de dólares (um dos mais caros da história), com certeza hoje representa o maior prejuízo que uma gravadora poderia ter. É o contraponto do velho ditado que diz que muitas vezes “menos é mais”...
Eu já tenho dúvida se esse álbum realmente existe ou se é mais uma daquelas lendas urbanas.

HISTÓRIA 2:

Cadê a novidade??? Esse tipo de Reality Show já está perto de completar 40 anos de idade. Para quem não sabe ou não se lembra, em 1969 os Beatles fizeram a mesma coisa com o álbum Let It Be. Todo o processo, que incluía filmá-los compondo, tocando, produzindo e gravando, acabou se tornando uma das passagens mais tensas da banda. No filme de mesmo nome é possível ver os conflitos que aquilo gerava dentro do grupo. O resultado foi um álbum engavetado por mais de um ano e que só foi lançado em 1970 por cumprimento contratual... e contra a vontade de Paul McCartney.
Para que se tenha uma idéia do que isso representou, Paul brigou por 30 anos para relançar o álbum sem o “Wall of Sound” do produtor Phil Spector. Isso aconteceu em 2003 com o álbum Let It Be Naked, que veio como eles achavam que deveria ter sido lançado.

Agora, refletindo a partir de todos esses acontecimentos, eu tenho quase a certeza de que se Chinese Democracy realmente existir, os fãs do Guns vão ter que esperar ainda uns bons 30 anos por ele!!!

Revirando o Baú... 2ª EDIÇÃO

2008-04-07T21:28:00.015-03:00

Nessa 2ª edição do Revirando o Baú, trago as curiosidades em torno da antológica Lucy In The Sky With Diamonds, canção que se tornou um dos grandes sucessos do álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, da banda inglesa The Beatles.

Ouça e curta...

Texto, Gravação e Edição de Áudio: Claudio Nascimento

Edição de Texto e Locução: André Lobão

Um poeta nunca morre!!!

2008-04-04T15:42:00.014-03:00

Egocêntrico, folgado, mimado, mal educado, com nome de velho... inteligente, boêmio, poético, consciente, genial... esse foi Cazuza, nascido Agenor de Miranda Araújo Neto em 04 de abril de 1958.

Cazuza vinha de uma família bem sucedida. O apelido havia sido dado por seu avô paterno (Cazuza significa moleque no nordeste brasileiro) e durante muito tempo ele renegou o nome Agenor, tendo-o aceito só após descobrir que Cartola, um de seus ídolos, também se chamava Agenor. Seu pai, João Araújo, era um dos figurões da gravadora Som Livre, e por isso, o cantor cresceu em meio a grandes nomes da música brasileira. Na adolescência, o rebelde Cazuza acabou ganhando um emprego na Som Livre (seu pai queria ver se conseguia sossega-lo).

Em 1980, após entrar para o grupo teatral Asdrúbal Trouxe o Trombone, conheceu Léo Jaime, que o indicou para uma banda de rock chamada Barão Vermelho. Em 1982, com apoio dos produtores Ezequiel Neves e Guto Graça Mello, João Araújo (que a essa altura era presidente da Som Livre) acabou concordando em lançar o Barão Vermelho. Daí para frente foram inúmeros sucessos, trilha de filme e a participação na primeira edição do Rock In Rio.

Em 1985 Cazuza resolveu que era hora de deixar o grupo e iniciar sua carreira solo. Neste mesmo ano causou polêmica ao assumir sua bissexualidade. A suspeita da contaminação pelo vírus da Aids também já existia, mas no primeiro exame o resultado acabou sendo negativo. Apenas em 1987, após nova crise e novo exame, a contaminação foi confirmada.

Depois de vários tratamentos no Brasil e no Exterior, em 1988 Cazuza lança o álbum Ideologia, seguido de uma turnê bem mais elaborada.

Em fevereiro de 1989, Cazuza se torna o primeiro artista a se declarar publicamente soropositivo. Neste mesmo ano é lançado o disco O Tempo Não Pára, que foi gravado no Canecão e se tornou seu maior sucesso comercial. Seguindo ainda pelo ano de 89, Cazuza gravou o que seria seu último álbum, chamado Burguesia, que já mostrava o cansaço em sua voz.

Depois de mais um período de internação, em 07 de julho de 1990, com apenas 32 anos de idade, Cazuza morreu em decorrência do HIV. O enterro foi realizado no cemitério São João Batista, na Zona Sul do Rio de Janeiro. Em seu túmulo se encontram os dizeres: “O TEMPO NÃO PÁRA”.

Em 2004, Cazuza foi homenageado nos cinemas com o filme “Cazuza - O Tempo Não Pára”, dirigido por Walter Carvalho e Sandra Werneck.

Hoje Cazuza estaria completando 50 anos de idade. Ele não só fez parte da geração que marcou o rock nacional, como se destacou dentro dela. Cazuza se tornou o grande poeta brasileiro... e um poeta nunca morre!!!

Relembre Cazuza (entrevista realizada por Marília Gabriela em 1988):

Eu estou com medo...

2008-04-03T14:08:00.013-03:00

... e acho que tenho todos os motivos. Um ser bizarro conhecido como Ozzy Osbourne aterrissou em nossas terras para dois shows que prometem algo que eu ainda não sei o que é, levando em conta que eu não sei o que o Ozzy é.

O primeiro show é hoje, dia 03 de abril, aqui no Rio de Janeiro, com preços entre R$ 140,00 e R$ 180,00, e acontece no Rio Arena. Já o segundo será em São Paulo, no próximo sábado, dia 05 de abril, com preços variando entre R$ 140,00 e R$ 300,00. O local é o estádio Palestra Itália.

Mas voltando ao medo, considerando que eu sou um só a manter esse blog e teriam muitos outros assuntos que, de repente, seriam mais interessantes, eu não pretendia comentar sobre a vinda do sr. Osbourne ao Brasil. Acontece que hoje, ao ler as últimas notícias do “mundo da música”, duas manchetes me chamaram a atenção: “CARETA NO RIO, OZZY OSBOURNE DIZ SE MASTURBAR ANTES DE SHOWS” e “ZÉ DO CAIXÃO DIZ QUE QUER SE ENCONTRAR COM OZZY OSBOURNE”... pô, impossível não comentar!!!

O cantor inglês deu uma coletiva nesta última quarta-feira afirmando que, para preservar a própria saúde, mudou seu estilo de vida, abandonando o uso de drogas e álcool (agora sim entendi o sentido do termo careta). Seguindo a entrevista, ele falou que agora costuma realizar um ritual mais saudável, que inclui “aquecer a voz” e masturbação. Realmente, eu não consigo imaginar o que seria mais terrível.

Cidadão padrão do mundo, Ozzy Osbourne aproveitou para criticar a postura da cantora Amy Winehouse, dizendo que a “moça” passa uma mensagem negativa a todos os jovens pelos recorrentes escândalos envolvendo o consumo de drogas. Depois disso ele pediu ajuda para se levantar e atravessar a rua até seu quarto de hotel... desculpem-me pela piada, rs.

Como se não bastasse, o cineasta (isso mesmo, foi assim que publicaram) José Mojica Marins, conhecido pelo personagem Zé do Caixão, que ele intitula como o “verdadeiro mostro tupiniquim”, declarou à Folha de São Paulo que está tentando, a todo custo, encontrar o roqueiro inglês. Alguém capaz de visualizar isso???

Eu não gosto da obra de Ozzy Osbourne, mas tenho que reconhecer que o cara sabe chamar a atenção... esperem aí, acabei de ouvir: “Ozzy Osbourne diz que vai matar o mosquito da dengue”...

... tenho que apurar esta última informação. Até uma próxima.

Revirando o Baú... 1ª EDIÇÃO

2008-04-02T15:47:00.016-03:00

Revirando o Báu é uma série de programetes produzidos para a Rádio Estação, onde contamos histórias curiosas que envolvem grandes sucessos que marcaram época.

Nessa primeira edição você vai poder conhecer um pouco mais sobre "Peggy Sue", canção composta na década de 50 por Buddy Holly e que se tornou o seu maior sucesso.

Texto, Gravação e Edição de Áudio: Claudio Nascimento
Edição de Texto e Locução: André Lobão

Perdido que nada!!!

2008-04-02T15:03:00.006-03:00

Ele já nem é mais tão jovem assim. E talvez por isso uma notícia como “NEIL YOUNG LANÇA DISCO PERDIDO” não me surpreenda tanto. Eu, que tenho praticamente a metade da idade do cantor canadense, sei que se parar para revirar meus rascunhos e arquivos, com certeza, encontrarei mais do que um álbum perdido... imaginem só o que esses caras podem ter.

Em 2000, Young e sua conhecida banda Crazy Horse gravaram um álbum intitulado “Toast”, que acabou engavetado por insatisfação do cantor e de sua banda em relação ao resultado das gravações.

Agora, oito anos passados, Neil Young se juntou ao produtor John Hanlon (que trabalhou em 2000 no álbum) para retomar o trabalho de mixagem das músicas. Em seu site, Young disse que devido ao “clima depressivo” das sessões de gravação, a maior parte das canções soam com referências de Blues e Jazz.

Segundo informações, esse é só o primeiro de muitos discos da série “não-lançados”. Eu não tenho muito o que dizer, então, resta esperar para conferir os resultados.

Esse é mineirinho mesmo!!!

2008-03-28T13:46:00.010-03:00

Ao longo dos anos, com as constantes crises envolvendo gravadoras e artistas, o surgimento de pequenos selos se tornou a melhor alternativa para todos os profissionais ligados à música. Hoje o selo musical já está tão bem instalado que deixou de ser novidade.

Acontece que, há algum tempo, o formato de selo musical vem deixando de ser ferramenta de novos artistas para passar a carregar muitos ilustres entre os seus (em todo o mundo). O mais novo sujeito a invadir essa fatia dispensa apresentações: MILTON NASCIMENTO.

Quando deixou a Warner Music, após o lançamento do álbum Pietà (2002), Milton resolveu que seu próxima passo deveria ser criar o próprio selo, algo que o possibilitaria de lançar não só seu material pessoal, como também novos talentos merecedores de uma chance. Assim surgia o embrião do que se chamaria Nascimento Music.

Em 2005, com distribuição feita pela EMI, Milton Nascimento lançou, já com a marca Nascimento Music, o seu CD duplo intitulado Maria Maria/Último Trem e o DVD A Sede do Peixe. Três anos se passaram e agora o selo inaugura com uma nova artista.

Aconteceu nesta última quinta-feira dia 27/03, no Mistura Fina em Ipanema, o show que marcou o lançamento da cantora Marina Machado pelo selo. Marina é uma velha conhecida de Milton, tendo o acompanhado por quatro anos em diversos shows.

A responsabilidade de Marina é grande, afinal, além de carregar nas costas o nome de um dos artistas mais populares do país, ela terá que se fazer valer à pena, visto que os recursos destes pequenos selos são limitados.

Agora é hora de torcer para que o Nascimento Music se fortaleça e crie novas possibilidades a todos aqueles que sonham em viver de música... de alguma forma.

MISTURASOM e ZUQUINI... Hora do jabá!!!

2008-03-24T16:50:00.008-03:00

Vou começar o texto como meu grande amigo e jornalista André Lobão...

... Meus caros,

No próximo sábado, dia 29 de março, acontecerá A Grande Festa 2 em 1.

Esse show marcará o inédito encontro entre as bandas Misturasom e Zuquini, responsáveis pelo mais puro Samba-Funk-Black-Rock-Disco-MPB Music.

Quem já teve a oportunidade de assisti-los sabe que a diversão é garantida. Quem ainda não foi, essa é a hora!!!

O show, marcado para começar às 22 horas, acontecerá no Estação Città, localizado no Shopping Città América. O endereço é Avenida das Américas, nº 700, Bl. 08 - Lj. 118 (1º andar), Barra da Tijuca.

O couvert artístico é a mixaria de 5 doletas brasileiras.

Espero vocês por lá!!!

HALLCOOL – Conheça

2008-03-19T10:12:00.012-03:00

Formada no Rio de Janeiro em novembro de 2007, a banda Hallcool nasceu com a intenção de permitir que as suas 5 partes pudessem fazer reverberar as mais distintas idéias. De influências diversas, tanto musicais quanto literárias, Hallcool não é apenas um projeto, mas sim, um ideal.

“Uma banda que cria sem alimentar clichês”... assim se vêem. Sem regras nem rótulos, Hallcool é uma banda de MÚSICA. Com habilidade, tenta tocar de alguma forma as pessoas, fazendo-as manifestar seus mais diversos sentimentos. Há pretensão nisso? Talvez sim, mas antes a pretensão do que o descaso.

Entre seus integrantes estão Sidartha Hirsch (voz), Saul and Soul (Guitarra), Gusto Carteado (Backvocal, Guitarra e Teclados) Claudio Nascimento (Backvocal, Baixo e Teclados) e Sait (Bateria), que não poupam esforços, compondo e tocando como se estivessem ali pela última vez.

As diferentes idéias e visões se tornaram as grandes ferramentas trabalhadoras na liberdade de criação. Cada nota e cada palavra refletem uma intenção distinta, um conceito e muita vontade.

A música é o dom de quem faz para quem ouve. Essa intensidade musical que acompanha a Hallcool se propaga no ar, então fique esperto, porque uma hora ela chega em você.

As coisas andavam paradas demais... Hallcool veio pra botar fogo!!!

Curiosos??? Então vejam, ouçam e tirem suas conclusões. A canção se chama "ESTRADA". Quem quiser, pode também acessar o link no Youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=SELGzaeBu9U

Mais um que se vai...

2008-02-29T13:11:00.002-03:00

Morreu no final do dia de ontem (quinta-feira, 28 de fevereiro), o cantor e tecladista Mike Smith. Mike integrou ao lado de Dave Clark (bateria), Lenny Davidson (guitarra), Rick Huxley (baixo) e Denis Payton (sax, gaita e guitarra), a banda Dave Clark Five, que fez parte do movimento conhecido como “Invasão Britânica”, na década de 60. Entre os maiores sucessos da banda estão “Glad All Over”, Bits and Pieces", "Over and Over" e “Because”, tendo essa última sido regravada em 1985 por Julian Lennon. A banda se separou em 1970, após um declíneo consequente da recusa em abraçar o psicodelismo.

Mike Smith tinha 64 anos e morreu em Londres em decorrência de pneumonia. Mike era paraplégico desde 2003 (quando sofreu um acidente caseiro), e sua internação aconteceu na quarta-feira pela manhã devido a uma infecção derivada dessas complicações.

Já estava, e continua, agendada para o dia 10 de março a cerimônia que colocará a Dave Clark Five no Hall Of Fame do Rock.

Os últimos anos têm sido de grandes perdas. Isso sugere que todos aqueles que conseguiram ultrapassar a barreira dos anos 70 começaram a ficar pelo caminho, afinal, o tempo castiga a todos... e nós estamos sendo castigados.

Onde foi parar a responsabilidade???

2008-02-28T16:50:00.006-03:00

Essa semana aconteceu “uma coisa” que deveria ter me surpreendido, mas não sei porque, não me surpreendeu. Durante minha leitura diária na página do globo.com, me deparei com uma matéria noticiando que a revista Maxim havia se desculpado publicamente na terça-feira, dia 26/02, por ter escrito uma crítica em tons depreciativos sobre o novo álbum da banda de rock americana Black Crowes sem sequer tê-lo escutado.

Em sua última edição, a revista avaliou com nota 2,5, onde o máximo seria 5, o álbum “Warpaint”. A reação da banda foi imediata, tendo direito a comunicado oficial assegurando que a publicação não poderia ter escutado todo o disco, já que não havia cópias disponíveis e a única divulgação feita havia sido através de apenas uma música (sobre isso falaremos mais na frente).

Rapidamente o Sr. James Kaminsky, diretor executivo da Maxim, quicou em sua cadeira reclinável de rodinhas e correu atrás da retratação, pedindo desculpas aos seus leitores e à banda. Segundo Kaminsky, a política da “casa” era de só dar nota aos discos após sua completa audição e que lamentava muito por essa norma não ter sido respeitada.

Não há responsabilidade nem compromisso... determinadas publicações e determinados jornalistas usam a palavra como uma espécie de antídoto que alivia nas costas o peso do próprio recalque. Um pedido de desculpas não muda nada. A informação já passou adiante e a imagem da banda já foi, de certa forma, “manchada”.

Agora, como eu insinuei um pouco mais acima, é bem provável que a Maxim tenha ouvido sim o novo álbum do Black Crowes... o problema é que pegaria meio mal afirmar isso. Meses antes do lançamento de um CD, qualquer mortal é capaz de adquiri-lo através da rede. É ilegal, tudo bem, mas quem nunca fez isso? A verdade é que a Maxim ficou em uma grande sinuca de bico e teve que fazer sua escolha.

Houve um erro que afetou, na mesma proporção, a banda e a credibilidade da revista. Eu não sou contra a crítica, aliás, eu critico bastante, mas até para isso é preciso estar bem “calçado”, porque senão...

Nenhum sofrimento

2008-02-26T13:12:00.016-03:00

Hoje eu vou fazer algo diferente...

Em 2003, através de sua grave e tensa voz, Johnny Cash escolheu uma canção chamada “Hurt” para encerrar sua carreira com chave de ouro. Composta e lançada originalmente por Trent Reznor na década de 90, na época eu a achei bonita, não muito mais do que isso. Poucos meses depois, Cash, que sofria de uma doença degenerativa, nos deixaria “órfãos” de sua música.

O videoclipe de “Hurt” se tornou um grande sucesso, sendo indicado em sete categorias do Video Music Awards da MTV, ganhando o prêmio de “Melhor Fotografia” e, já em 2004, levando o Grammy de “Melhor Videoclipe”.

Em 2005 foi lançado o filme “Johnny & June”, que trazia a história de Johnny Cash e June Carter, a doce cantora que teve um relacionamento tão tumultuado com Cash que acabou em casamento.

Só no ano passado (2007) eu parei pra ver o filme. Apesar de ter um bom conhecimento da vida de Johnny Cash, o filme me fez ver tudo diferente... Cash se tornou uma grande referência de pessoa em busca de suas realizações, tentando superar suas dependências, seus traumas (a culpa, imposta por seu pai, pela morte prematura do irmão) e brigando pela conquista da menina que ele ouvia, quando criança, através do seu velho rádio de pilha.

Após ver o filme, eu entrei no amigo de todos (youtube) em busca de vídeos e referências a todos os acontecimentos abordados no filme. Lá pude rever o clipe de “Hurt”... e tudo, mais uma vez, ficou diferente pra mim.

Eu vi as últimas cenas de um senhor lamentando os sofrimentos que causou... eu vi a “menina”, já nem tão “menina”, June Carter, olhando com sabedoria para o homem que ela recuperou e amou por toda a vida... eu ouvi e senti a dor de Johnny Cash em cada palavra, em cada cena. Ele sabia que aquela era um despedida, dele e de June.

June Carter faleceu aos 73 anos de idade, em 15 de maio de 2003, devido a complicações decorrentes de uma cirurgia do coração. Menos de quatro meses depois, aos 71 anos, em 12 de setembro de 2003, foi a hora de darmos adeus a Johnny Cash... por que pessoas assim morrem???

Certa vez Trent Reznor declarou que quando recebeu o pedido de autorização para a gravação de “Hurt” por Cash, ele sentiu estranheza, mas depois de ouvi-la percebeu que aquela música já não era mais dele.

“Hurt” é uma música simples, mas com uma emoção gigantesca... eu poderia escrever muita coisa pra tentar colocar tudo que eu sinto cada vez que a ouço, mas isso seria em vão. O que eu posso dizer é: busquem, ouçam, se emocionem.

Aos mais curiosos, abaixo a tradução da letra de “Hurt”:

Hurt

Machuquei a mim mesmo hoje
Pra ver se eu ainda sinto
Eu focalizo a dor
É a única coisa real
A agulha abre um buraco
A velha picada familiar
Tento matá-la de todos os jeitos
Mas eu me lembro de tudo

O que eu me tornei?
Meu doce amigo
Todos que eu conheço vão embora no final
E vc poderia ter tudo isso
Meu império de sujeira
Eu vou deixar você pra baixo
Eu vou fazer você sofrer

Eu uso essa coroa de espinhos
Sentando no meu trono de mentiras
Cheio de pensamentos quebrados
Que eu não posso consertar
Debaixo das manchas do tempo
Os sentimentos desaparecem
Você é outra pessoa
Eu ainda estou bem aqui

O que eu me tornei?
Meu doce amigo
Todos que eu conheço vão embora no final
E você poderia ter tudo isso
Meu império de sujeira
Eu vou deixar você pra baixo
Eu vou fazer você sofrer

Se eu pudesse começar de novo
A milhões de milhas daqui
Eu poderia me encontrar
Eu poderia achar um caminho

Por que ninguém mais os respeita?!?!?!

2008-02-21T13:29:00.006-03:00

Nos próximos dias 22, 23 e 24 de fevereiro, o Deep Purple se apresentará pela 4ª vez em 5 anos no Brasil, passando pelo Rio de Janeiro, Curitiba e São Paulo... e daí???

O Deep Purple é uma das grandes bandas que fez história nas décadas de 60 e 70 e que ao longo dos anos conseguiu sobreviver, quase que integralmente, aos egos de seus integrantes.

Com músicos de primeira linha e hits como “Smoke On The Water”, “Black Night” e “Hush”, entre muitos outros, o Deep Purple apresenta em seus shows as impecáveis performances que os consagraram definitivamente como uma banda de palco.

Com tudo isso, me causa grande incômodo quando alguém fala, mesmo com todo o valor que eles merecem, algo do tipo: “Ahhhh, Deep Purple??? Mas toda hora eles estão aí...”

É lamentável perceber que essa é a mentalidade do brasileiro. Realmente, eles frequentemente nos visitam, mas qual o problema nisso?

Uma banda como o Deep Purple, capaz de se apresentar em qualquer lugar no mundo com resultados expressivos, jamais poderia sofrer o desrespeito de pessoas que se divertem cantando “Crééééééuuuuuuu”.

Quem estiver afim de curtir boa música, lá vai a agenda dos caras:

Rio de Janeiro:

Data: 22 de fevereiro (sexta-feira), às 22h

Local: Citibank Hall, Av. Ayrton Senna, 3.000, Cj. 1005, B. da Tijuca, tel. 0300 789 6846

Ingressos: R$ 140 (pista), R$ 200 (poltronas) e R$ 300 (camarotes)

Curitiba:
Data: 23 de fevereiro (sábado), às 22h

Local: Hellooch, Rua Desembargador Westphalen, 4.000, tel. (41) 3013-3374

Ingressos: R$ 200 e R$ 100 (para estudantes e para quem doar um quilo de alimento não-perecível)

São Paulo:
Data: 24 de fevereiro (domingo), às 20h

Local: Credicard Hall, Av. das Nações Unidas, 17.955, Sto. Amaro, tel. (11) 6846-6010

Ingressos: R$ 100 a R$ 300

O Rei agradece e nós também!!!

2008-01-28T13:49:00.001-03:00

Hoje eu venho aqui falar de um senhor de 76 anos recém-completos que merece todo o nosso respeito… seu nome? SCOTTY MOORE.

É triste, mas muita gente não conhece pelo nome o grande guitarrista e amigo de Elvis Presley. Scotty acompanhou Elvis desde seu início, em 1954, quando ele ainda engatinha ao som de “That’s All Right, Mama” e “Blue Moon Of Kentucky”, até 1968, em meio à grande reviravolta que Elvis movia em sua carreira com a realização do bem sucedido especial de TV chamado “Elvis NBC TV Special”.

Se para muitos, Elvis Presley inventou o Rock gravando e lançando em 1954 a já citada “That’s All Right”, podemos então dizer que Scotty Moore foi o primeiro guitarrista do Rock’n’Roll. Definitivamente, esse é um peso que muitos não conseguiriam carregar. Por bem menos vemos rockstars e pseudo-celebridades morrendo por aí por não agüentarem a pressão.

Em 2005, Scotty Moore resolveu nos presentear promovendo um grande show repleto de personalidades da música mundial. Assim foi gravado ao vivo nos estúdios da Abbey Road a apresentação que viria a ser lançada em DVD com o título de “Scotty Moore & Friends: Tribute To The King - Live At Abbey Road Studios”.

Entre os convidados de Scotty estiveram Mark Knopfler, Eric Clapton, David Gilmour, Bill Wyman, Ron Wood e Albert Lee, que tocaram e se divertiram com alguns dos maiores sucessos da carreira de Elvis Presley.

O DVD com o registro desse show ainda não tem uma edição nacional, mas a versão importada já pode ser adquirida através de lojas virtuais nacionais. O preço ainda é um pouco “salgado”, mas pelo conteúdo não tem como se arrepender.

Então, aumente o som diante de quem fez história e curta!!!

Não é Vírus... é BOB DYLAN!!!

2007-12-19T12:42:00.001-03:00

Definitivamente, os dinossauros que inventaram e reinventaram o Rock'n'Roll resolveram gritar: "ESTAMOS VIVOS". Depois de um ano de 2007 movimentado por lançamentos de coletâneas, DVD e alguns tributos, Robert Zimmerman, mais conhecido como Bob Dylan, resolveu que em 2008 fará uma visita aos amigos brasileiros.

Ainda sem data, local e valores definidos, a promessa é de dois shows no mês de março, que acontecerão no Rio de Janeiro e em São Paulo. Essa será a quarta visita que o "criador" do Folk Rock fará ao Brasil e os detalhes finais já estão sendo fechados pela produtora Mondo Entretenimento.

Bob Dylan já teve momentos marcantes em solo tupiniquim. Sua primeira passagem foi no extinto festival Hollywood Rock de 1990, voltando em 1991 para uma turnê que passou pelo Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte e Porto Alegre e, posteriormente, em 1998 fazendo a abertura do show dos Rolling Stones, com direito a um clássico dueto em "Like a Rolling Stone".

Apesar das poucas informações, é certo que essa seqüência de shows aponta para um trabalho de marketing com a finalidade de promover a obra de Dylan. Recentemente, foi divulgada uma campanha onde a gravadora Columbia Records promove uma futura coletânea através de um diferente meio: o E-CARD.

O e-card funciona através de um e-mail que reúne cumprimentos personalizados, links do site e formulários para compra on-line. Nesse e-mail, que vem com o título "Bob Dylan tem uma mensagem pra você", um clipe toca "Subterranean Homesick Blues" com a imagem de Bob Dylan em um beco exibindo cartões com passagens da letra da música. Existe ainda uma segunda versão que circula pela internet onde os destinatários podem modificar as palavras nos cartões e no vídeo, podendo reenviá-los aos seus próprios contatos.

Esse novo meio de divulgação ainda divide opiniões entre os analistas de marketing. Há quem veja isso como uma inovação que atingiria um público mais jovem, em contrapartida, críticos afirmam dúvidas em relação ao efeito desse processo dentro do objetivo final, que é a "venda" do artista.

De qualquer maneira, posicionar um nome é sempre válido, desde que este valha alguma coisa.

Música e Cores

2007-12-18T14:43:00.001-03:00

Há um tempo atrás, em um papo informal, comentei com algumas pessoas sobre um fenômeno, de atuação involuntária, presente na minha vida. Desde bem novo, eu sempre relacionei música a cores, usando isso como ferramenta na hora de compor, montar sets pra shows, gravar meus CDs caseiros e até mesmo como um dos recursos dentro dos processos de mixagem e masterização.

Acontece que em uma das minhas buscas aleatórias pela Internet, encontrei o blog Elas no Mundo (www.elasnomundo.blogspot.com/), onde havia uma publicação sobre uma intérprete de música clássica que associava cores e sabores à melodia. Nesse texto datado de 2005, era abordado o caso dessa jovem suíça, identificada apenas por ES, como sendo o primeiro descrito por Especialistas da Universidade de Zurique e documentado em uma das edições daquele ano da revista Nature. Pelo estudo, além de associar cores e sons, ela conseguia diferenciar por sabores intervalos de notas e tons nas melodias, o que lhe dava bastante vantagem dentro do mundo da música.

Com base nisso, resolvi pesquisar um pouco mais a fundo esse fenômeno que é conhecido como Sinestesia. Pra quem não sabe, Sinestesia é a relação de planos sensoriais diferentes, como gosto com cheiro, visão com olfato e som com cor. O termo é usado na descrição de figura de linguagem e de fenômenos provocados por uma condição neurológica.

Dentro do que chamados figura de linguagem, observamos o uso da Sinestesia em situações de metáfora ou comparação por símile, mas é na condição neurológica que ela realmente funciona como um grande trunfo dentro do processo de criação. No sinesteta um estímulo de sentidos provoca automaticamente a percepção em outro sentido, ou seja, é uma condição neurológica que transforma uma informação real transmitida por um sentido em uma percepção de outro sentido (situação figurativa).

Quando criamos temos por finalidade contar algo, mesmo que nas “entrelinhas”. Dentro do processo de composição musical percebemos vários sentimentos que surgem dentro de músicas, ou até mesmo, de uma única música. Explicando melhor, imagine-se ouvindo uma música onde as estrofes se cercam de uma temática triste, mas que no seu decorrer ela muda o rumo dentro de um refrão, apontado para novos caminhos que nos enchem de esperança e nos faz sentir a alegria de saber que tudo vai acabar bem. Com atenção, podemos perceber que sentimentos e sensações se misturam como cores.

Habitualmente falamos em cores alegres, tristes, sombrias, frias, quentes e por aí vai. Na música também temos melodias alegres, tristes, sombrias, frias, quentes... basta relaciona-las para se conseguir resultados. Como vimos antes, a Sinestesia é um fator neurológico e nem todos tem essa predisposição, mas quem nunca pisou mais fundo no acelerador do carro ouvindo um bom Rock’n’Roll???

Nota: A Metáfora e a Comparação são semelhantes, sendo a metáfora uma comparação não assumida onde se busca uma identidade poética entre as entidades comparadas. Na expressão "os teus olhos são como lagos gélidos" existe uma comparação explícita denotada pelo conectivo "como". Contudo, se dissermos, "os teus olhos são lagos gélidos", passamos a ter uma metáfora. (Fonte: Wikipedia)

A culpa é do Demo

2007-12-14T15:06:00.002-03:00

Não é de hoje que eu ouço absurdos justificando o sucesso de bandas, cantores e artistas em geral. O maior e mais antigo deles é o velho pacto com o Diabo. Munido das ferramentas virtuais, resolvi então parar para pesquisar sobre o tema, mas para minha surpresa, não encontrei nada que explicasse essa teoria da conspiração.

Vamos então refletir... a primeira vítima (pelo menos que eu tenha conhecimento) desta acusação foi o bluesman Robert Johnson. Johnson morreu em 1938 aos 27 anos e em toda sua carreira gravou apenas 29 músicas. As especulações surgiram a partir de sua morte por causas não muito bem esclarecidas. Diziam que ele teria vendido a alma ao Diabo em troca de se tornar um bom guitarrista. O sucesso de Johnson foi meteórico e seu legado influenciou nomes como Keith Richards e Eric Clapton. Em 2006, Clapton gravou e lançou um CD tributo a Robert Johnson, mas antes disso, no final da década de 60, ele já tocava o maior sucesso de Johnson, "Crossroads Blues", com a sua banda Cream.

Outro endiabrado famoso foi o nosso querido Elvis Presley. Em 1954, quando Elvis estourou, a comunidade "séria" entrou em pânico ao vê-lo dançando e rebolando o quadril. Elvis “obrigou” mudanças nas transmissões de TV, que passaram, em nome da moral de dos bons costumes, foca-lo apenas da cintura para cima. A sensualidade que o cantor imprimia em sua música, definitivamente, era coisa do Diabo.

Já no início da década de 60, os Beatles e os Rolling Stones eram os "demos" da vez. Como podiam rapazes com cabelos compridos? Para complicar tudo, John Lennon declara: "Nós somos mais populares que Jesus Cristo"... tudo bem que foi uma frase usada fora de contexto, mas ele falou (e tinha razão). A história com os Beatles não acabou por aí - em 1969, o louco Charles Manson fundou uma seita, invadiu a casa do diretor de cinema Roman Polanski e assassinou sua esposa grávida e mais quatro amigos do casal. Na parede da casa ele escreveu algumas frases com sangue das vítimas, entre elas "HELTER SKELTER". O objetivo dos assassinos era começar a maior guerra de todas já travada na Terra, e essa guerra se chamaria "Helter Skelter", que era o nome de uma música lançada em 1968 pelos Beatles. Segundo Charles Manson, os Beatles conversavam com ele através de suas canções. Saindo do caso Manson, em 1970, John Lennon lançou o seu primeiro álbum pós-Beatles, que tinha na música “God” a frase "Deus é um conceito através do qual nós medimos nossa própria dor"... será que foi isso que matou Lennon 10 anos depois?

Em 1971, o Led Zeppelin lançava aquele que se tornaria o seu maior sucesso: "Stairway To Heaven". Todo mundo poderia pensar que uma música onde se fala sobre uma tal escadaria para o paraíso não sofreria de qualquer manifesto negativo... puro engano. Rapidamente surgiram aqueles religiosos dizendo que a letra da bela canção não passava de um hino pagão ou satânico, e que se tocada de trás para frente, "Stairway To Heaven" apresentaria mensagem de adoração ao Diabo. Essas pessoas não deviam ter o que fazer, afinal, quem perde tempo ouvindo músicas de trás para frente?

Dando um salto de cinco anos, estamos em pleno ano de 76 e a banda Eagles, depois de uma árdua luta, consegue o seu primeiro grande sucesso mundial. "Hotel California", mais uma daquelas tocadas ao contrário, chega para revolucionar. Como era de se desconfiar que uma banda pudesse atingir tamanho sucesso tão rápido, estudiosos (verdadeiros cientistas) analisaram a letra da música e descobriram que ela falava sobre uma mulher atraente que chamava a atenção do vocalista para dentro do quarto do hotel, onde então, ela se transformava no Diabo. Aliás, esse hotel citado se tratava na verdade de uma igreja controlada por satanistas – a Igreja de Satan. A tese foi reafirmada principalmente depois da "denúncia" de um ex-produtor que acusou a banda de ligações com essa organização.

O Rock’n’Roll foi o gênero musical que mais sofreu nas mãos do pobre Diabo. Além dos casos citados acima, bandas como Lynird Skynird, Queen e Rush sofreram as "sanções divinas" pelo mal que causaram. O Pink Floyd e o Electric Light Orquestra se aproveitaram também de toda essa confusão para brincarem, através de recursos técnicos, com os ouvintes mais curiosos.

Na década de 60, o pastor David Noebel, que defendeu suas teses através dos livros "Comunismo, Hipnotismo e os Beatles", "Rock'n'Roll: uma forma pré-revolucionária de subversão cultural" e "Rock cristão, uma estratégia de Mefistófeles", chegou a dizer que "a batida primitiva do rock em perfeita sincronia com os ritmos naturais do corpo humano hipnotizam o ouvinte, deixando milhares de jovens à mercê de uma convocação para se levantarem e erguerem a bandeira comunista em solo americano". Em contrapartida, o Rock era proibido na União Soviética por ser considerado um estilo capitalista.

O que mais chamou a minha atenção nisso tudo foi que o Diabo inventou o rockstar, o sucesso, a fama, o dinheiro, o sexo, o comunismo, o capitalismo e os grandes concertos de rock... além do mais, ele era GOSTOSA. Chego a pensar: "Alguém sabe como faço para encontrar esse tal Diabo?"

P.S.: Antes que me "batam", aviso aqui que não alimento qualquer tipo de crença, portanto, me sinto bastante à vontade para falar sobre o assunto. De forma alguma quis desrespeitar alguém, mas realmente, gostaria de entender a cabeça dessas pessoas.

IKE TURNER: Bandido e Mocinho

2007-12-13T13:55:00.001-03:00

Parte do mundo acordou mais triste hoje. Morreu ontem, dia 12 de Dezembro, aos 76 anos de idade, Ike Turner, um dos pioneiros do Rock’n’Roll.

A vida de Ike Turner foi conturbada desde seu nascimento. Ike, filho de Beatrice Cushenberry e Izear Luster Turner, nasceu no dia 05 de novembro de 1931 em Clarksdale, no estado americano do Mississippi. A primeira confusão foi em relação ao próprio nome. Em sua autobiografia chamada “Takin’ Back My Name”, Ike conta que durante muito tempo acreditou que seu nome fosse Izear Luster Turner Jr., porém, só quando foi tirar o primeiro passaporte, descobriu que seu nome era Ike Wister Turner. A origem do nome Ike nunca soube, pois seus pais faleceram quando ele ainda era muito jovem. Seu pai foi assassinado em meio aos conflitos raciais da época.

Ike Turner entrou cedo para a música. Aos cinco anos de idade começou a tocar piano e aos oito já trabalhava em uma pequena estação de rádio de Clarksdale, chamada WROX. No final da década de 40, o garoto apaixonado por blues tocava piano em sua primeira banda, Kings of Rhythm, e foi em 1951 que, ao lado de Jackie Brenston, gravou o hit, “Rocket 88”, música que é considerada por muitos como o pontapé inicial do rock. Foi também com o Kings of Rhythm que Ike teve a oportunidade de acompanhar nomes de peso do Blues e da Soul Music, como Buddy Guy, Elmore James, Howlin' Wolf e Sonny Boy Williamson II.

Com um talento nato, não demorou muito para que Ike Turner assumisse a guitarra. Em meados da década de 50, Ike conheceu Anna Mae Bullock (que depois se tornaria Tina Turner), promovendo uma virada em sua vida. Com a presença forte de Tina, a banda rebatizada de Ike & Tina Turner emplacou inúmeros sucessos nas paradas, entre eles “A Fool In Love”, “Pround Mary” e “River Deep Moutain High”, se tornando uma das principais referências do Soul e do R&B dos anos 60 e 70. O sucesso da dupla contribuiu ainda para que fosse fundado por Ike o Bolic Sounds Studio, em Los Angeles.

Na década de 70, a relação de Ike e Tina já era bastante conturbada. A dependência química e a agressividade de Ike levaram seu casamento ao fim no ano de 1976, quando se separaram afetivamente e profissionalmente. O divórcio só saiu em 1978. Com toda a polêmica envolvendo a separação do casal, Ike Turner acabou perdendo terreno no mercado musical. Como se não bastasse, depois do fracasso de dois álbuns solo, ele ainda teve que enfrentar acusações e posterior condenação, em 1989, por porte de drogas e armas. Ike cumpriu pena em uma penitenciária do estado da Califórnia até 1993. Dois anos antes, em 1991, enquanto ainda estava na prisão, Ike teve seu nome incluído no Hall da Fama do Rock & Roll (junto com sua ex-mulher). Dez anos mais tarde seu nome entraria para o Hall da Fama de Saint Louis.

Ao sair da prisão, em 1993, Ike tentou retomar sua carreira, mas sua imagem estava demasiadamente arranhada devido aos lançamentos da autobiografia de Tina Turner “Eu, Tina” e do filme “Tina”, onde eram reveladas todas as violências sofridas por sua ex-esposa em um período de 16 anos, como costelas quebradas, queimaduras de cigarro, abusos e até constantes socos no nariz que a obrigaram a fazer uma cirurgia corretiva. Ike Turner se tornou um dos maiores vilões da indústria fonográfica.

Na última etapa de sua vida, Ike vinha conseguindo reabilitar parte de sua reputação. Como citado anteriormente, o guitarrista escreveu em 2001 sua autobiografia intitulada “Takin’ Back My Name”. Neste mesmo ano, em uma entrevista à agência de notícias Associated Press, Ike reclamou da frustração de ter sido destruído pela mídia sem o reconhecimento do seu papel nos primórdios do rock. Em 2005, ele fez uma participação no álbum “Demon Days”, da banda Gorillaz, e ainda a acompanhou ao vivo em uma turnê mundial. Entre outras de suas colaborações, temos as trilhas sonoras de um episódio do seriado “Família Soprano” e de alguns filmes, entre eles, Kill Bill. Com sobriedade, Ike e sua banda Kings of Rhythm voltaram aos palcos, e na edição do Grammy deste ano de 2007, ele ganhou o troféu na categoria melhor álbum de blues, com “Risin’ With The Blues”.

A morte de Ike Turner foi divulgada por seu agente, Scott M. Hanover. A causa não foi informada por Hanover, mas a atual esposa do guitarrista, Jeanette Bazzell Turner, declarou que Ike foi vitima de Enfisema. Ike, que tinha quatro filhos, frutos de alguns de seus quatro casamentos oficialmente conhecidos, estava em sua casa em San Marcos, no subúrbio de San Diego, na Califórnia. A assessoria de Tina Turner informou que a cantora já havia tomado conhecimento do acontecido, mas que ela não mantinha contato com Ike há mais de 30 anos. A cantora vive hoje em uma semi-aposentadoria na Europa.

"Quando se conhece uma mulher, pode acontecer duas coisas: ou ela se vai pela porta ou é toda sua". (Ike Turner)

Torci muito... e deu certo

2007-12-11T12:42:00.001-03:00

No último mês de setembro, publiquei neste blog uma matéria intitulada “No ar...”, onde eu deixava transparecer a minha preocupação em relação à “reunião” do Led Zeppelin. O show, que inicialmente seria no dia 26 de novembro e que acabou sendo remarcado para o dia 10 de dezembro devido a um acidente sofrido por Jimmy Page, era cercado de uma expectativa que poderia ser frustrante.

Felizmente eu errei e tudo deu certo. Hoje, um dia depois do grande show, a imprensa mundial acordou exaltando a apresentação do Led. Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e Jason Bonham (filho do baterista John Bonham, falecido em 1980) subiram ao palco do O2 Arena, em Londres, onde tocaram por 2 horas para um público sortudo de 20 mil pessoas. Havia gente de todos os lugares da Europa e do mundo pagando verdadeiras fortunas para testemunhar esse acontecimento.

Fãs e admiradores que puderam presenciar esse grandioso evento comentaram que apesar da banda ter abandonado as velhas calças apertadas e camisetas abertas e ter diminuído a correria em cima do palco (é de se esperar, quando se fala em sessentões), a energia continuou a mesma.

No repertório não faltaram os clássicos. Abaixo o set list do show para dar aquela “água na boca”:

Good Times, Bad Times
Ramble On
Black Dog
In My Time Of Dying
For Your Life
Trampled Under Foot
Nobody’s Fault But Mine
No Quarter
Since I’ve Been Losing You
Dazed And Confuse
Stairway To Heaven
The Song Remains The Same
Misty Mountain Hop
Kashmir
Whole Lotta Love (Bis)
Rock And Roll (Bis)

P.S. : Gostaria de mandar um abraço ao “amigo” Sr. Álvaro Pereira Jr., Chefe de Redação do “Fantástico”, que no dia 03 de dezembro publicou no Globo.com o infeliz comentário “A volta do Led Zeppelin - A má notícia do ano. Ninguém precisa ou merece.”.

POLÍCIA: Mãos ao alto!!!

2007-12-10T15:04:00.001-03:00

Desculpem-me o bairrismo, mas essa foi a forra carioca. Depois de chuparmos o dedo vendo a banda Irlandesa U2 passar por São Paulo sem nem dizer "Alô" à cidade maravilhosa, neste sábado, dia 08 de dezembro, aconteceu o tão esperado show do The Police no Maracanã, e SÓ no Maracanã. Mais de 70 mil pessoas cantaram juntas com Sting, Andy Summers e Stewart Copeland os maiores hits que a banda reuniu ao longo de sua conturbada carreira.

Infelizmente, só pude assisti-los pela TV, e apesar das inúmeras notas negativas que a imprensa vinha soltando em relação ao show na Argentina, nunca tive dúvida da qualidade do espetáculo que a banda apresentaria. Sting, com sua impecável voz rouca e seu Fender Precision, Andy Summers e suas harmonias limpas e claras e Stewart Copeland conduzindo a banda com maestria, sempre se mostraram auto-suficientes quando a assunto é boa música.

O repertório estava recheado de clássicos, entre eles "Message In A Bottle", "Walking On The Moon", "Hole In My Life", "De do do do, De da da da", "Can't Stand So Close To Me", "Roxanne", "King Of Pain", "So Lonely" e "Every Breath You Take"… confesso que quando ouvi de casa o riff inicial de guitarra de "Message In A Bottle" rolou uma certa frustração.

Entre tantas reuniões que vem acontecendo, essa pode ser apontada como uma das mais necessárias. Eram desavenças mal resolvidas que precisavam ser postas de lado em favor de algo maior, no caso, o The Police. Claro que as diferenças ainda existem, e isso fica claro através de algumas atitudes que seus integrantes tomam, mas eles já não são mais aqueles garotos de 20 e poucos anos que "precisavam" resolver tudo no tapa e acabavam subindo no palco ostentando olhos roxos.

Qual a importância da música na sua vida?

2007-12-07T15:04:00.001-03:00

Será que é mesmo fácil responder essa pergunta? Definitivamente, não é, mas eu encontrei a minha forma de pesar essa importância. Leiam e reflitam:

Eu nasci em 19 de abril de 1977. Minha mãe conta que eu ainda era uma criança de colo quando meu pai colocou dentro do berço uma bola e um rádio de pilha... eu agarrei o rádio. Os anos foram passando e o meu fascínio pela música só crescia. Em 1982, quando eu já tinha 5 anos de idade, Michael Jackson estourou com o álbum de mega-sucessos "Thriller". Como todos na época, me tornei o fã nº 1 do cara. Dançava, usava sapatilhas e dava aquele monte de pirueta feito louco. Minhas festas de aniversário durante algum tempo foram regadas a Coca-Cola e Break.

A vida seguia e em um dia qualquer do ano de 1984, eu descobri um álbum com uma capa toda preta e um prisma bem ao centro. Curioso, perguntei ao meu pai o que era aquilo, afinal, era tudo muito... psicodélico (mesmo que eu ainda não soubesse o que isso significava). Meu pai me pôs sentado no sofá de casa e colocou o tal LP para tocar. Meus olhos brilhavam como brilham até hoje quando ouço "Dark Side Of The Moon", a obra definitiva do Pink Floyd. Aquela pulsação cardíaca abrindo e fechando o disco me transportava para outra dimensão.

No ano seguinte, a novela "Jerônimo", que era transmitida pelo SBT, estourava nacionalmente. A história tinha uma temática faroeste e já era bem conhecida por ter sido sucesso nos tempos das Rádio Novelas e da TV Tupi. Foi nessa época que eu ganhei o meu primeiro disco: a trilha sonora da novela. Tudo bem, não foi um começo genial, mas também não me envergonho por isso.

Como bom noveleiro que continuei sendo, em 1987, quando eu já estava com 10 anos, a TV Globo transmitia a novela "Bambolê"... e eu ganhava o meu segundo disco. Esse disco tinha uma trilha sonora baseada na década de 50 e foi então que eu ouvi o clássico "Jailhouse Rock", do Rei Elvis Presley. Aquilo era puro Rock’n’Roll e meu interesse pelo “The Pelvis” se tornou absoluto. Meu pai tinha alguns discos e eu comecei a buscar tudo sobre aquele sujeito que havia trocado as jaquetas de couro pelos brilhos. Nesse momento, Michael Jackson (que lançaria neste mesmo ano o razoável álbum "Bad") perdia seu posto de ídolo nº 1 para Elvis Presley.

O ano de 87 seguia e um dia, durante um passeio de carro com meu pai, tocou no toca-fitas uma música com um balanço bem legal. Me interessei logo em saber de quem era aquilo e descobri então que a música se chamava "Talk More Talk" e fazia parte do álbum "Press to Play" de um tal de Paul McCartney... Mas quem era Paul McCartney (santa ignorância)? Meu pai me explicou que McCartney tinha sido um dos Beatles. Aquilo não me parecia muito lógico, afinal, na minha cabeça de criança, um cara que tinha sido Beatle 20 anos antes estaria velho demais pra continuar vivo.

Foi no final do ano de 1987 que meu pai resolveu comprar um teclado. Eu não tinha a menor idéia do que era aquilo, muito menos, imaginava que meu pai pudesse tocar. Meu pai já havia pendurado literalmente uma guitarra na parede do meu quarto sem que eu nunca o tivesse visto tocando. O que ele faria com um tecladinho Casiotone de quatro oitavas que mal cabia as mãos dele? Mas foi graças a esse pequeno instrumento que eu tive o meu primeiro contato prático com a música. Meu pai começou a me ensinar alguns pequenos solos para teclados. A primeira música que aprendi foi "Love Me Tender", seguida de "Yesterday". Esse teclado já tinha um elemento legal, que era a função de mostrar os acordes que estavam sendo feitos na mão esquerda. Foi assim que consegui aprender a formação dos acordes básicos. A essa altura eu começava a tocar Paul Mauriat, Frank Pourcel, Ray Conniff e muitos outros nomes da música instrumental.

1988 – nunca fui muito fã de cinema e só nesse ano, deitado diante da velha sessão da tarde, que eu assisti o filme "Curtindo a vida adoidado". Na trilha sonora o hit "Twist and Shout", que me trouxe de volta à vida. Nessa hora de sufoco, meu pai me disse: "Isso é BEATLES". Fui direto no Box dele onde tinha a coleção completa da banda e descobri que "Twist and Shout" era a última música do primeiro álbum dos Beatles, chamado "Please Please Me". Mesmo assim, não me tornei fã da banda de imediato. Cheguei a dizer que eles estavam longe do meu AINDA ídolo maior Elvis Presley.

No ano de 1989 eu estava na Colônia de Férias do Banco Boavista, em Miguel Pereira, onde meu pai, um amigo do meu pai chamado José Carlos (que se tornaria também meu amigo) e um terceiro amigo chamado Paulo Afonso tocavam sempre. Em uma dessas noites de som, Paulo cantou algo que me chamou a atenção de imediato. Paciente e como um alerta, mais uma vez meu pai disse: "Isso também é BEATLES"... e Elvis que me perdoe. Cheguei em casa e descobri que o que eu havia escutado era "I Saw Her Standing There". Só podia mesmo ser um aviso, pois a melhor música que eu já havia ouvido na minha vida fazia parte do mesmo álbum "Please Please Me". Daí por diante, eu ouvi e apreciei música por música, disco a disco. Eles eram realmente fabulosos. Uma banda com uma carreira tão curta e uma obra tão vasta só podia ser mesmo a melhor de todas. Me tornei Beatlemaníaco.

Ainda no ano de 1989, Paul McCartney anunciou sua volta aos palcos através da turnê mundial "The Paul McCartney World Tour". No roteiro de shows estava o Maracanã, no Rio de Janeiro. Em abril de 1990 Paul McCartney invadiu o solo carioca e eu comemorei meu aniversário de 13 anos dentro do Maraca ao som do velho Macca. Foram comigo meu pai, o amigo José Carlos, um amigo meu chamado Felipe e alguns outros amigos do meu pai. Nós estávamos lá e éramos algumas das 184 mil pessoas que fizeram esse show entrar para o Guiness Book.

Em 1991 eu comecei a perceber as rodas de violão nas calçadas da rua onde morava (e ainda moro). Aquilo era meio chato, porque todos podiam levar seus instrumentos para a calçada e ficava complicado fazer o mesmo com um teclado. Assim comecei a aprender violão. Mesmo machucando um pouco os dedos no início, logo me adaptei ao novo instrumento. No ano seguinte, aos 15 anos, ganhei meu violão Washburn série Nuno Bettencourt, meu amplificador Oliver e meu pedalzinho ZOOM 505. Estimulando ainda mais a minha beatlemania, minha tia Mila me deu dois livros que continham as partituras de todas as músicas do quarteto de Liverpool. Mas voltando aos teclados, nesta mesma época eu tive o meu primeiro esboço de banda. Convidado pelo meu amigo William Medeiros após uma audição na sala da minha casa, me tornei tecladista de uma banda de 6 membros cujo o nome não me lembro, muito menos dos seus integrantes. Sinceramente, era uma época em que eu me preocupava mais em me gravar em K7, editar com fita e fazer minhas "Mixagens". Nessa bandinha tocávamos o popular Rock Brasil e músicas de bandas internacionais que faziam sucesso na época, como Guns’N’Roses. Foi algo realmente rápido, mas proveitoso, pois tive meu primeiro contato com o Baixo, instrumento do meu ídolo Paul McCartney.

Ainda em 1992 me matriculei junto com meu pai na Escola de Música Dineyar Valente Plaza, onde iniciei meu estudo de teoria musical e piano. Foi um período bem legal, apesar da constante tensão que era ter que me apresentar diante de vários alunos e professores nos saraus promovidos para as avaliações. O tempo foi passando e eu fui deixando o cabelo crescer, comecei a compor, recusei alguns convites de bandas pra tocar teclado ou guitarra e aprofundei meu conhecimento sobre bandas e artistas como Led Zeppelin, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Rolling Stones, Deep Purple e tantos outros. Foi nessa época também que uma colega de escola levou um teclado pra sala de aula e a professora me fez tocar "Brasileirinho" e "Noturno em Mi Bemol", de Chopin, pra toda a turma... complicado pra um sujeito tímido como eu.

E a vida não pára... Em 1998, quando eu já era casado, tinha um filho de 1 ano chamado Thiago, trabalhava há 1 ano na Capemi (empresa do ramo de Seguros e Previdência Privada) e cursava, também há 1 ano, a faculdade de Administração de Empresas, eu finalmente consegui realizar o sonho de comprar o meu primeiro baixo. Fiz a compra na Casas Milton da rua Mariz e Barros, na Tijuca, e paguei na época, depois de muito choro, 350 reais pelo meu Washburn modelo XB-100 acompanhado de uma bag meio vagabunda. No final deste mesmo ano, José Carlos (o mesmo que tocava com meu pai e que nos tinha acompanhado no show do Paul McCartney) me convidou para ser baixista da banda Phoenix... não tinha como recusar o baixo. A Phoenix era formada por Paulo Afonso Massot (lembram dele?) nos teclados, Victor Lopez e José Carlos nas guitarras, Gabriel Massot na bateria e eu, Claudio Nascimento, no baixo. Os vocais ficavam por conta de todos, cada um no seu momento.

No ano de 1999 eu ganhei o meu primeiro DVD - "Paul McCartney - Live At The Cavern Club!". Esse show marcava não só a volta de Paul ao palco que apresentou os Beatles ao mundo, mas também seu retorno às atividades depois de um período de reclusão em consequência da prematura morte de sua esposa.

Tudo também ia bem com a Phoenix até que, inesperadamente, no dia primeiro de Novembro de 1999, nosso tecladista Paulo Afonso sofreu um infarto e veio a falecer. Paulo era compositor de canções católicas e planejava gravá-las. Como um tributo, vários amigos e familiares se reuniram e realizaram o registro de suas músicas em um CD chamado "Em teus braços, Senhor". Esse foi o meu primeiro contato com estúdios de gravação. Gravamos no DRS Studio, de propriedade do eterno Dr. Silvana, Cícero Pestana. Com um novo grupo de músicos, nos reunimos e fizemos alguns shows para promoção desse CD.

Ano 2000, virada de milênio e eu, apesar de não ter mais uma banda, tinha feito um grande amigo. Eu e Victor (guitarrista da Phoenix) nos juntamos e no período entre 2000 e 2001 produzimos sozinhos, de forma primária, o CD "Windstorm". Gravado no M&C Studio de Maurício Fonseca, em Marechal Hermes, fizemos um CD todo com uma única fita ADAT (tipo de tecnologia de gravação digital) usando baterias programadas em teclados e tocando todos os instrumentos. Entre músicas da parceria Victor e Claudio e alguns covers, "Leave Me Alone" se tornou a primeira música composta apenas por mim a ser gravada. Foi a última música a entrar no CD e seu registro foi feito apenas duas semanas após sua composição.

Seguindo pelo ano de 2001, nasce minha filha Mariana. Nessa mesma época, começa a trabalhar na Capemi um cara que viria a se tornar, com certeza, um dos meus maiores amigos – seu nome: Leonardo Lobo. Léo também tinha um histórico musical, afinal, já compunha e era vocalista da banda 959. No final do ano de 2001 resolvi chutar o balde e largar o curso de Administração pra assumir a música. Em 2002 comecei a faculdade de Tecnologia de Gravação e Produção Fonográfica, coordenada pelo renomado produtor Mayrton Bahia. Em 2003, em paralelo com a faculdade, comecei o curso de Técnicas de Gravação e Pro-Tools, tendo sido aluno dos mestres Fábio Henriques, Florência Saravia e Gilberto "Penynha" Suzano.

Comecei o ano de 2004 formado e com a oportunidade de trabalhar em uma rádio universitária. Não pensei duas vezes e dei adeus aos meus amigos da Capemi. Já trabalhando na rádio, conheci pessoas como o "polêmico" André Lobão, o Repórter Aéreo Genilson Araújo, as meninas Cajazeiras, Cida Belford (colaborada vitalícia da rádio) e o "Delegado" Marcus Ballard. No final deste mesmo ano, Marcus idealizou um programa chamado N.O.V.A, onde a proposta era trazer novas bandas e artistas e fazer a divulgação desses trabalhos. Precisávamos então de uma primeira banda, e logo me lembrei do Léo dos tempos da Capemi. O projeto 959 havia encerrado, mas ele, junto com os remanescentes Augusto Carteado e Ilzio Drumond, já estava em um novo projeto chamado Siddartha. Assim foi dado o pontapé inicial ao N.O.V.A.

O ano de 2005 começou com algumas turbulências que logo foram superadas. Solteiro de novo, comprei minha gaita diatônica Kashima e retomei mais intensamente minhas gravações no M&C Studio. Um dia, enquanto eu pensava na vida, recebi uma inesperada visita na rádio do pessoal do Siddartha. A proposta era que eu me juntasse a eles para dar continuidade ao projeto... Leonardo Lobo na voz, Augusto Carteado e Ilzio Drumond nas guitarras, Tico Bolpetti na bateria e eu como baixista de novo em uma banda de Rock. Nesta época voltei à faculdade e fiz uma especialização dentro do curso de Produção Fonográfica, pegando um segundo diploma. Fiz ainda o necessário curso de Home Studio no Instituto Musical Banguense. O ano seguia bem até que, devido a problemas de saúde com um de seus integrantes, o Siddartha teve que suspender suas atividades.

Mas eu não fiquei muito tempo sem banda... em outubro deste mesmo ano, o José Carlos (mais uma vez ele) me convidou para "fazer um som" na casa do Gabriel (aquele que era nosso baterista nos tempos da Phoenix). O que era pra ser apenas o passa-tempo de 6 caras afim de tocar, virou banda. Surgiu o nosso primeiro show e lá estava a banda Misturasom com Gabriel Massot na voz, André Barbosa e José Carlos nas guitarras, Alexandre Brandão nos teclados, Bernardo Massot na bateria e eu com o meu inseparável baixo. A proposta era simples: ser uma banda de baile pra fazer a "galera" dançar.

No final deste mesmo ano ganhei do meu irmão e dos meus pais o meu Epiphone Viola Bass... pra quem não o conhece, se trata da réplica do famoso baixo Hofner de Paul McCartney. Realizado com meu novo baixo cheguei em 2006 tocando e inventando. Foi um ano de muitas aquisições: comprei meu bandolim Phoenix, ganhei uma guitarra Squier by Fender Stratocaster e comprei mais uma guitarra, desta vez um instrumento construído pelo luthier Eliezer Lara em parceria com Victor Lopez (aquele meu velho amigo da Phoenix).

Finalmente 2007 – no dia 23 de março deste ano a lenda viva Roger Waters aterrissou na Apoteose para o super show da turnê "The Dark Side Of The Moon". Eu estava presente, mais uma vez com meu pai, e pude assisti-lo com aquele mesmo olhar da criança que se fascinava no sofá de casa.

Mas nem tudo foi tão bom assim... mesmo depois da gravação do CD "MISTURASOM - Venha dançar e se divertir nessa viagem musical", o ritmo da Misturasom diminuiu e os ensaios e shows começaram a ficar cada vez menos freqüentes. Essa coisa de banda é mesmo um ciclo e temos que aprender a conviver com isso. Fiz 30 anos e tive que aturar aquelas piadinhas que as falhas na minha antiga cabeleira me proporcionaram. Comprei meu violão Eagle de 12 cordas e não vejo a hora de usá-lo em alguma gravação. Depois de uma longa pausa, o Siddartha sinalizou uma volta à atividade.

Estamos nas portas de 2008, que muito promete. Espero realmente retomar os projetos Misturasom e Siddartha, além claro, de continuar minha eterna busca por novos elementos que possam me melhorar musicalmente.

É isso aí... contei aqui a minha "história musical" e eu acho que a importância da música em minha vida ficou bem clara a todos. Neste longo texto tentei mostrar que coisas que podem parecer irrelevantes em suas vidas, talvez sejam fundamentais para explicar o que você é hoje.

MUSICOTERAPIA - Música e Saúde

2007-12-06T10:31:00.001-03:00

A música, definitivamente, tem poderes. Todos nós deixamos aflorar sensações e emoções quando ouvimos uma canção que gostamos (ou até mesmo as que não gostamos). Mas isso vai muito mais além da pura sensação, estando ligado diretamente ao nosso bem-estar físico. A relação da música com a saúde já era defendida por Aristóteles e Platão, mas só na segunda metade do século 20 que médicos estudiosos conseguiram estabelecer as teorias que associavam a recuperação de seus pacientes à música. Pesquisas foram capazes de revelar a atuação da música no nível de vários hormônios, como Cortisol, Testosterona, Oxitocina e ainda Endorfinas e Serotonina.

As guerras são sempre destruidoras e consumidoras da sociedade, mas foi no final da Segunda Guerra Mundial que a idéia de convocar músicos para tocar em hospitais surgiu. Esse auxílio no tratamento dos feridos trouxe resultados tão positivos que as autoridades médicas americanas decidiram profissionalizar pessoas a fim de utilizar música como terapia. Foi então que em 1944 foi criado pela Universidade Estadual de Michigan o primeiro curso de Musicoterapia.
A Musicoterapia é o uso da música como instrumento de saúde, mostrando que é possível desenvolver potenciais, reabilitar e previnir doenças através dos sons. Atualmente, muitos médicos de diferentes especialidades utilizam a música como recurso terapêutico em doenças como hipertensão e câncer, e defendem o método como um excelente complemento ao tratamento convencional, capaz de reduzir os efeitos da doença e, consequentemente, o uso de analgésicos e sedativos. O efeito desse tipo de terapia vai além do uso da música como tranqüilizante ou como ferramenta para alegrar o paciente. Estudos garantem que o tratamento fortalece emocionalmente o paciente, ajudando-o a lidar melhor com os sintomas da doença.

Sediada no bairro do Jardim Botânico, no Rio de Janeiro, a ABBR (Associação Brasileira Beneficente de Reabilitação) foi fundada em agosto de 1954 e se tornou uma das maiores entidades do país voltadas para a reabilitação de pacientes utilizando a Musicoterapia. A eficiência do trabalhou gerou uma parceria importante com o cantor, compositor e guitarrista Herbert Vianna, vítima de um acidente de ultraleve em 2001 que o deixou paraplégico. Herbert, que foi tratado no Hospital Sarah Kubitschek, em Brasília, defende a música como a válvula de escape fundamental para sua recuperação.
A ABBR busca hoje angariar doadores para aumentar em 30% o número de pacientes de baixa renda e ainda manter o atendimento gratuito dos impossibilitados de arcar com o tratamento. Quem tiver interesse em conhecer um pouco mais sobre a ABBR basta acessar o site http://www.abbr.org.br/.

Ouvir música é saudável. Alivia tensões, ajuda a refletir e nos cura da humanidade. Mais uma vez tivemos a oportunidade de ver a importância que a música pode ter na vida das pessoas... mas, e pra você? Qual a importância da música na sua vida?

A importância da linguagem musical para a criança

2007-12-04T12:52:00.001-03:00

Alguém já viu uma criança dizer que não gosta de música? Ao nascer, a relação da criança com a música é imediata. O tempo passa e a música está lá para fazer adormecer, brincar de roda, dançar... esse bem cultural é a linguagem mais eficiente quando se quer expressar sensações, sentimentos e pensamentos.
Tudo isso deve ser lembrado quando pensamos em aprendizagem, pois o livre contato com qualquer forma de expressão musical desde os primeiros anos de vida é um importante estopim no processo de musicalização. Nós devemos expor à criança a linguagem musical, conversando com ela por meio da música. As emoções expressadas por uma canção ajudam a criança na percepção de seus sentidos e sentimentos.

Na Grécia antiga a música já era considerada fundamental na formação dos futuros cidadãos. A musicologia era um estudo tão relevante quanto matemática e filosofia. Recentes estudos comprovaram que se estimuladas musicalmente desde cedo, as crianças são capazes de apresentar significativo crescimento intelectual. A revista Brain publicou em uma de suas edições o resultado de testes feitos com grupos de crianças por Laurel Trainor, professor na Universidade McMaster, onde se dizia que “É possível perceber que a resposta cerebral no grupo treinado pela música, em comparação com outro, sem aulas especiais, mudou no prazo de um ano. Essas alterações estão claramente relacionadas com os benefícios cognitivos propiciados pelo treino musical”.

É comprovado que o trabalho da musicalidade infantil na escola vai muito além do desenvolvimento da sensibilidade à música. Ele atua em fatores como concentração, memória, coordenação motora, socialização, acuidade auditiva e disciplina. O aumento na capacidade de aprendizagem nas crianças ultrapassa 60% quando estas são estimuladas pelo convívio musical.
Todos nós somos atraídos pelo que nos dá prazer, e com as crianças isso não é diferente. Dentro da escola a música pode ser o impacto necessário para excitar as crianças ao ato de aprender, tornando o ambiente mais alegre e agradável.

O trabalho escolar com a música pode ser realizado de diversas maneiras. O ensino das disciplinas usando a música como ferramenta de memorização é bastante eficiente. Outra forma de estímulo é através de corais e aulas de música e instrumentos musicais. Particularmente, percebo que essas aulas podem ser estimulantes desde que não sejam obrigatórias. O interesse deve partir da própria criança, pois tentar ensinar técnicas musicais para quem ainda não demonstrou senso musical pode ser inútil e ineficaz. Em contrapartida, testes de seleção em corais de crianças me soa cruel demais. Todos nós somos capazes de nos expressarmos musicalmente, e não será um irrelevante teste onde se cantarola as 7 notas musicais que vai poder decidir quem fica ou quem sai.

A magia do som das palavras

2007-11-29T15:10:00.001-03:00

Estive pensando hoje sobre a importância das palavras...
Ao longo dos anos, a música vem sendo usada para passar mensagens de amor, de luta, de paz e de conforto, entre tantas outras. Fundamental para quem usa as palavras é conhecê-las.

A música surgiu para contar histórias no tempo erudito das sinfonias e óperas de artistas como Pierre de la Rue, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach, Franz Schubert, Mozart, Fréderic Chopin, Johannes Brahms, Niccolò Paganini, Tchaikovsky, Richard Wagner, Vincenzo Bellini, Heitor Villa-Lobos... Os Reis e Imperadores tinham nos compositores a expressão musical de obras literárias. A música erudita era uma grande peça teatral, com diversos movimentos e momentos. Era um conceito quase definitivo de arte.

A natural modernização que acompanhou os anos serviu para popularizar a música, mas a importância da palavra não se tornou menor por isso, afinal, agora existia a comunicação com a grande massa.
A música é o reflexo do que seu autor absorve e entende, tanto em um sentido cultural, quanto em relação à própria existência. O conhecimento literário é parte disso tudo. Quando lemos (compreendemos) nos tornamos capazes de transformar simples frases como “Meu amor, eu te amo” em arte. Atualmente não é difícil perceber a ausência desse estudo, e o resultado é o empobrecimento intelectual dos compositores e do que eles nos oferecem. O princípio básico para quem forma é se informar. A literatura é uma fonte inesgotável de idéias a serem trocadas e permite a evolução no que se diz ao mundo.

Pela vida que temos, muitas coisas parecem passar despercebidas. A realidade, ao meu ver, é outra. Quando ouvimos ou lemos uma história, por mais irrelevante que ela possa parecer, nós a carregaremos por toda vida... e em algum momento ela virá à tona como inspiração.
A expansão intelectual deve ser uma busca constante. O conhecimento torna o homem mais confiante em suas escolhas e a conseqüência disso é a tranqüilidade de saber onde se está pisando.

P.S.: Você sabe quem é Oscar Wilde, Pablo Neruda, Nietzsche, Goethe e Baudelaire? Se você não conhece, procure conhecer... esses nomes os levarão a muitos outros.

THE JACKSON FIVE (ou SIX): Será que rola?

2007-11-27T16:26:00.001-03:00

Breve Histórico:
Um fenômeno na década de 70, o grupo formado pelos irmãos Jackie, Tito, Jermaine, Marlon e Michael teve seu primeiro contrato em 1967 com uma pequena gravadora chamada Steeltown. Logo em 1968 eles foram descobertos e levados para uma tradicional gravadora de música negra americana, a Motown. Em 1975, Os Jackson Five firmaram um novo contrato com a CBS Records, passando a integrar o casting da divisão EPIC Records. A Motown possuia todos os direitos sobre o nome e logotipo do grupo, fazendo com eles tivessem que assumir um novo nome: The Jacksons. Outra mudança foi a saída de Jermaine, que por ser casado com a filha de um dos produtores da Motown, optou por permacer na gravadora. Em seu lugar entrou o caçula Randy Jackson. O grupo The Jacksons continuou gravando durante a década de 80, tendo inclusive trazido Jermaine de volta para a gravação e turnê do álbum Victory, de 1984. No final da década de 80, Michael e Marlon já não faziam mais parte do grupo, e Os Jacksons optaram por encerrar suas atividades em 1990, após o lançamento (no ano anterior) do pouco expressivo álbum “2300 Jackson Street”.

A volta:
No último dia 26 de novembro, a imprensa noticiou o retorno de uma das maiores expressões da música Pop mundial: Jackson Five.
Durante anos se cogitou uma possível volta do grupo e em 2005 os boatos chegaram com muita força. Diferente das outras vezes, a decisão agora foi anunciada por Jermaine Jackson em uma entrevista à BBC, onde o cantor falou de uma turnê para 2008, contando inclusive com a participação de Michael Jackson. Especula-se que essa volta já estava sendo planejada há algum tempo, mas com todos os escândalos envolvendo Michael, o grupo acabou por adiar o retorno. Na entrevista, Jermaine disse que o grupo já estaria se encontrando em estúdio e trabalhando em novas composições. Nada foi falado sobre os integrantes, mas acredita-se na reunião dos 6 irmãos (Tito, Marlon, Jackie, Jermaine, Michael e Randy).

O que eu acho disso:
Como todos nós sabemos, o grupo revelou uma família bastante talentosa, mas no meio de tantos irmãos, a grandiosidade de Michael Jackson acabou por camuflar a importância dessa parceria. A verdade é que depois do enorme sucesso do álbum Thriller, lançado em 1982 por Michael, os Jacksons passou a ser visto apenas como o grupo que revelou o gênio, o louco, o pedófilo, o racista, o excêntrico, o doente, o falido... Michael Jackson.
Há algum tempo Michael vem passando por situações que não combinam com tudo que ele representou para a música Pop durante duas décadas. Com uma imagem desgastada, se tornou talvez o símbolo maior do homem que teve tudo e perdeu tudo. Eu quero realmente acreditar que esse reencontro com a família pode ajudá-lo no reencontro de suas raízes musicais. A reunião dos irmãos Jacksons já representa uma oportunidade a todos!

De olhos abertos!!!

2007-11-26T12:14:00.002-03:00

Depois de um tempo longe, estou de volta... e volto para polemizar.
Acontece que nesse meu período de "recesso" tentei compreender algumas coisas que acontecem dentro do mercado de música independente. Sempre ouvi frases do tipo "não temos oportunidade" ou "tem tanta gente boa por aí". A questão é: até onde realmente se tenta ou se merece conseguir algo?

Devido ao meu trabalho, por diversas vezes me deparei com material de bandas desse segmento dito Underground e posso dizer bondosamente que 90% é LIXO. Como se não bastasse, observo que nosso problema não é o "lixo", mas sim as dificuldades de se entender esse mercado controverso. A coisa é tão louca que música boa não significa produto bom. Funcionamos de acordo com a necessidade da "Fábrica de Plásticos".

A falta de orientação é um problema recorrente na formação dos novos "artistas". Realmente temos gente boa que não tem oportunidade, mas temos muito mais gente que não aproveita suas oportunidades. Como já falei diversas vezes, nos dias de hoje é fácil produzir um material apresentável para iniciar a divulgação de um trabalho, basta vontade. Claro que ter um material na mão não garante nada, mas ninguém dá um segundo passo sem antes ter dado o primeiro.

A música hoje sofre de uma crise de criação. Com tanta gente escrevendo absurdos, o mercado acabou absorvendo isso e o que mais ouvimos nas FMs da vida são esses absurdos. A sobrevivência da música depende de uma combinação equilibrada, onde a receita é o bom senso com uma pitada de sorte. Não é fácil, eu sei, mas eu nunca disse que seria.

Pois é, então como fazer sucesso? Se eu realmente soubesse, não teria tempo para estar aqui agora escrevendo nesse Blog... talvez estivesse em uma interminável turnê mundial.

Isso é só uma dica aos bons: nunca desistam de nós!

No ar...

2007-09-12T14:05:00.001-03:00

LED ZEPPELIN ANUNCIA SHOW DE RETORNO. E lá vem a imprensa com mais um grande estardalhaço. Eu, que sou fã da banda, me sinto bastante à vontade para dizer isso.
Já há algum tempo vivemos nesse revival de bandas. Foi assim com o Cream, com o Genesis, The Police, Pink Floyd, Queen e muitas outras - jamais conseguirei me lembrar de todas. Em comum entre essas bandas está o erro na classificação do evento – HOUVE RETORNO? Claro que não. Nós tivemos eventuais reuniões, em sua grande maioria, temporárias e com fins filantrópicos (sociais ou pessoais). Não pensem que eu me preocupo com isso. Na verdade eu não estou nem aí para o fato deles usarem do prestigio como banda para levantar uma renda extra (para os que não se lembram, uma das razões para “volta” do Cream foi a dificuldade financeira em que vivia o baixista Jack Buce).

Como todo fã, eu também gosto de ver as bandas que curto “inteiras” em cima de um palco, mas no caso Zeppelin, a preocupação é por eles. Em 1994 a dupla Robert Plant e Jimmy Page lançou o CD “No Quarter”, projeto acústico da MTV, que trás um show não mais do que sem graça. Anos antes, mais precisamente no Knebworth de 1990, temos o show de um Robert Plant que já não conseguia mais atingir aquelas agudas notas, acompanhado de um Jimmy Page (sim, um dos meus heróis) que não se preocupou nem em afinar a sua guitarra.
Como todo problema é pouco, um dos convidados especiais é o brilhante e controverso Pete Townshend (The Who). Há alguns anos, em uma entrevista, Pete se demonstrou irritadíssimo ao ter sua banda The Who comparada ao Led Zeppelin, que segundo ele não passava de lixo. Em uma entrevista no ano passado, o mesmo Pete Townshend disse que não gosta de assistir “roqueiros velhos em clima autocongratulatório”, complementando ainda com a pérola: “Não quero sair para assistir a Bob Dylan. Não quero sair para ver um show dos Stones. Eu não pagaria para assistir ao The Who, nem mesmo com as canções novas”...

Com tudo isso, eu espero estar completamente errado para que o mundo possa ver aquele Led Zeppelin que se imortalizou na década de 70.
Quem estiver afim e com grana, será um único show, a ser realizado em Londres no dia 26 de novembro deste ano. O Zeppelin se apresentará formado pelos seus membros remanescentes (Robert Plant, Jimmy Page e John Paul Jones) acompanhados do baterista Jason Bonham, filho de John Bonham, falecido em 1980. A performance acontece como homenagem ao fundador da gravadora Atlantic Records, Ahmet Ertegun, falecido no ano passado. Além de Pete Townshend, participará também como convidado o ex-Rolling Stones Bill Wyman.
Nos resta agora aguardar e torcer para que tudo dê certo.

Mais vivo do que nunca

2007-08-16T14:38:00.001-03:00

Elvis Presley foi dado como morto em 16 de agosto de 1977... e ele ainda se diverte muito com isso. Na verdade, tudo uma grande jogada.

Além de cantor, Elvis era agente da CIA (mas é segredo), e o risco que isso trazia para sua família aliado ao peso que era carregar, depois de tantos anos, o título de Rei do Rock, foram decisivos para que ele começasse a pensar em abandonar tudo.
Desde a gravação do seu primeiro compacto “That’s All Right / Blue Moon Of Kentucky” em julho de 1954 no lendário Sun Studio, Elvis não tinha mais sossego. Resolveu até relaxar no visual, sustentando uma indiscreta barriga para ver se a mulherada dava um descanso. Não adiantou muito. Elvis então pensou: “Se continuar assim eu estou morto!”.
Elvis queria voltar a ser aquele rapaz sossegado dos tempos em que “pilotava” caminhões em Tupelo (sua cidade natal). Não dava mais para agüentar aquela loucura de conciliar suas inúmeras turnês com o trabalho paralelo de espião. Foi então que munido de idéias ainda desordenadas ele foi buscar a ajuda do governo americano, afinal, já eram muitos anos de excelentes serviços prestados.
Depois de algumas reuniões e negativas, Elvis acabou sendo convocado para um novo serviço. Em 1976, Elvis participava de uma operação secreta contra a máfia. Já no ano seguinte, após reunir provas, tomou conhecimento que seriam expedidos no dia 16 de agosto de 1977 mandados de prisão contra o chefão mafioso Frerick Pro. O risco de vida agora era real. Para que ele não fosse morto a única solução seria “morrer”. Chegava a hora de apelar mais uma vez ao companheirismo de seus colegas... desta vez com sucesso. Mas havia um problema: como a simulação de sua morte seria um fator de comoção mundial, a CIA não queria correr o risco de ter seu nome envolvido em escândalos, incluindo uma possível descoberta da futura falsidade ideológica do rei. Para que o plano realmente desse certo havia condições, entre elas, o total afastamento de amigos e familiares – decisão difícil de ser tomada, mas Presley estava pronto para viver uma nova vida.
Tudo certo, a questão agora era escolher um lugar para o refúgio. Memphis era pequena demais para suportar o mito e Tupelo era manjado. Foi então que surgiu a opção pelo recolhimento em um país de terceiro mundo, sem muitos holofotes. Os líderes americanos recorreram às boas relações políticas existentes com os governantes argentinos, pedindo apoio. Apoio correspondido, agora era botar o plano em ação.
Na noite do dia 15 de agosto, por volta das 23 horas, Presley fez contato com o seu médico reclamando um súbito mal-estar. Devidamente “medicado”, o circo foi armado. Na manhã do dia 16, “Elvis Presley” foi encontrado “morto” no chão do banheiro da mansão Graceland (Memphis, Tennessee) por sua noiva Ginger Alden. A autópsia acusou Arritmia Coronária.
Todos devem estar se perguntando: “Mas de quem era o corpo?”
Bem, pra quem (sujeito indeterminado) mata John Lennon e Jimi Hendrix, arrumar um “cover” de Elvis The Pelvis é mole.
Poucas horas depois Elvis Presley embarcava para Buenos Aires. Elvis deixou seu cabelo voltar ao loiro natural e hoje vive tranquilamente, observando de longe um mundo que, 30 anos depois, ainda se ajoelha perante o Rei do Rock.

Fatos importantes e curiosidades:

Elvis Presley nasceu Elvis Aaron Presley em 08 de janeiro de 1935 em East Tupelo, Mississipi. Sua morte aconteceu em 16 de agosto de 1977 em Memphis, Tennessee, aos 42 anos;

Elvis teve um irmão Gêmeo que morreu no parto. Seu nome seria Jesse Garon;

Elvis REALMENTE era loiro e começou a tingir os cabelos ainda na década de 50;

Antes de se tornar cantor, Elvis foi motorista de caminhão;

Em 1967, durante uma premiação, Presley declarou que não era rei, apenas um cantor;

Elvis casou-se em 1967 com Priscilla Presley e teve uma filha chamada Lisa Marie. O casamento acabou em 1973;

Elvis Presley chegou a fazer contato com o governo de Richard Nixon alguns anos antes de sua morte oferecendo serviços para o combate ao comunismo e às atividades antipatrióticas;

David Stanley é constantemente apontado como meio-irmão de Presley. Na verdade ele é filho de Davada Stanley, segunda esposa de Vernon Elvis Presley, pai de Elvis;

A mãe de Elvis, Gladys Presley, faleceu em 14 de agosto de 1958;

Vernon Presley faleceu em 26 de junho de 1979;

Se estivesse vivo, Elvis Presley estaria com 72 anos de idade.

Real Live Roadrunning

2007-08-01T13:20:00.002-03:00

Eu particularmente adoro parcerias, elas funcionam como um "abafador" de egos. Real Live Roadrunning, lançado pela dupla Mark Knopfler e Emmylou Harris é um grande exemplo disso. O primeiro se tornou um dos maiores "Guitar Hero" do Rock’n’Roll, liderando o aclamado Dire Straits. Já Emmylou é uma lenda dentro do segmento Country norte-americano. Ainda assim, quem acompanha a carreira desses dois artistas encontra em vários momentos similaridades. Enquanto Mark, ainda no Dire Straits e posteriormente em sua carreira solo, demostrava sua proximidade com o Folk e o Country, Emmylou passeava pelo alternativo.

O primeiro registro de encontro dessa dupla foi através do CD "All The Roadrunning", mas foi com o DVD "Real Live Roadrunning" que as pessoas puderam ver o que realmente acontecia ali. Dois verdadeiros artistas dividindo o mesmo espaço, acompanhados de uma super banda.

Neste show, que teve uma única apresentação realizada no dia 28 de junho de 2006 no Gibson Amphiteathe, em Los Angeles, a diversão está lá recheada de Country, Rock e Blues de alta qualidade. Muitas das canções do show fazem parte do CD "All the Roadrunning", entre elas "All the Roadrunning", "This Is Us", "Belle Starr" e "Right Now" (esta última abrindo o show). Temos também músicas das carreiras solo de Mark Knopfler e Emmylou Harris, e ainda, as esperadas obras do Dire Straits, representadas por "Romeo and Juliet", "So Far Away" e "Why Worry".

Aos fãs do Dire Straits, Mark Knopfler, Emmylou Harris e claro, da boa música, esta é uma obra indispensável.

Trabalhando MIDI e Sampler sem preconceito

2007-07-20T14:45:00.001-03:00

A tecnologia está aí para facilitar (e muito) a vida de músicos e produtores musicais, porém, é bom sabermos que muitas dessas inovações não são tão “jovens” assim. Entre elas temos o conhecido MIDI (Musical Instrument Digital Interface – Interface Digital para Instrumentos Musicais), criado em 1983 como um sistema de troca de informações para uso em diversas aplicações (incluindo edições a qualquer momento). Diferente de outros formatos, como WAV e MP3, um arquivo MIDI não contém exatamente áudio, e sim instruções que definem instrumentos, notas, timbres, ritmos e diversas outras características a serem utilizadas para geração de eventos musicais. Para facilitar a compreensão, MIDI são informações codificadas e trocadas entre dispositivos que nos permite ouvir sinais numéricos disparando informações musicais, enquanto que áudio se trata de captação e digitalização de som (ou ruído) para dentro de um gravador. Sua apresentação se dá em forma de ondas sonoras.

Inicialmente, cada fabricante desenvolvia seu próprio sistema de troca de informações (SysEx), porém, com a popularização do formato MIDI, essa ausência de padrão começou a complicar o trabalho dos músicos, que eram impedidos de trocar informações entre equipamentos de diferentes fabricantes de forma rápida e simplificada. Com isso, percebeu-se a necessidade da criação de um padrão internacional. Esse passo veio com o surgimento do General MIDI, que definiu uma regra geral de comandos e programações, uniformizando o sistema.

Longe do que grande parte das pessoas acreditam, o “som” MIDI não é ruim. Como vimos antes, o MIDI reproduz notações musicais armazenadas utilizando um meio para isso, que pode ser desde a placa de som de um computador até emuladores de som de alta qualidade. Isso significa que se utilizarmos a placa de som on-board de nossos computadores teremos aquele som sofrível, porém, com um bom Sampler, o resultado pode surpreender.

Sampler é um programa ou equipamento que reproduz arquivos MIDI utilizando sons de instrumentos reais ou não. Cada sample é uma amostra de gravação de um som original de instrumento. Seu funcionamento se dá através de programas sequenciadores, que tocam o arquivo MIDI enviando as informações para o Sampler, que faz a devida timbragem. Isso significa que a informação que antes seria lida pela placa de som e tocada com timbres artificiais, agora será lida pelo Sampler e executada utilizando um som pré-gravado de um instrumento real.

Infelizmente, ainda hoje, o formato MIDI sofre muito com o preconceito dos leigos que se limitam a avaliar o toque polifônico de seus celulares. MIDI e Sampler, principalmente aliados, são recursos fundamentais para a música atual, onde grande parte das pré-produções (e mesmo produções) passam por esse processo simples e eficaz.

BROCK and Roll

2007-07-12T22:02:00.001-03:00

No final da década de 50 se iniciava nos EUA um movimento que estouraria quase que mundialmente a partir dos anos 60 – nascia o Rock’n’Roll, uma “fusão” rítmica entre os populares R&B e Country Music. No decorrer dos anos de 60 e 70, o Rock’n’Roll mostrou que era mais do que música, era também um movimento cultural/político/ideológico, e portanto, uma ameaça aos “manda-chuvas” do mundo.

Mas o que acontecia no Brasil nessa época?
No mesmo período em que o Rock surgia para se impor ao mundo, o brasileiro curtia praia e sol ao som da Bossa Nova, que se tornaria a “força musical” da época em território nacional (tendo atingido inclusive uma certa popularidade internacional).

Com o decorrer da década de 60 o Rock’n’Roll entrou com tudo no mercado cinematográfico internacional, começando sua popularização no Brasil. Foi então que em 1965 a TV Record estreou o programa de auditório chamado “Jovem Guarda”, comandado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa. A partir disso, surgia o movimento que tinha como proposta ser oposição à conhecida velha guarda (cantores anteriores à chegada do Rock no Brasil). Diferente do Rock Internacional, a Jovem Guarda sofreu severas críticas por ser algo caricato (versões românticas de sucessos internacionais) e totalmente desligado da rede social e política do país, perdendo popularidade logo no início da década de 70.

Voltando um pouco no tempo, mais precisamente 1968, outra manifestação cultural surgia. A Tropicália, ou Tropicalismo, foi um movimento surgido sob a influência artística de vanguarda. Como característica, ecoava de grande parte da sociedade brasileira questões sociais, políticas e comportamentais, em pleno regime militar. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes e Tom Zé foram algumas das vozes dessa época. A Tropicália durou oficialmente pouco mais de 1 ano, devido à forte repressão militar (incluindo prisões de inúmeros representantes do movimento). Os anos se passavam e a ditadura militar continuava massacrando quem interferisse em seus interesses. Muitos artistas de vanguarda, como Raul Seixas e Secos e Molhados, sofriam com a censura imposta.

Quando tudo parecia controlado, surge então o Brock (Rock Brasil). Esse movimento trazia de volta o velho Rock’n’Roll. Desta vez o ritmo vinha embutido de sua realidade, com bandas de perfil rebelde que estavam ali para romper as amarras de todo aquele sistema sujo. Seus representantes traduziam, sem filosofia, sentimentos verdadeiros, promovendo a volta por cima de um povo. Ira!, Barão Vermelho, Legião Urbana, Paralamas do Sucesso, Titãs, Ultraje a Rigor, RPM... todos eles, e muitos outros, foram fundamentais para liberdade intelectual deste país.

Definitivamente, o Rock’n’Roll nasceu para mudar o mundo!!!

50 anos de parceria - para Lennon e McCartney

2007-07-06T13:44:00.001-03:00

Parece que foi ontem... mas já fazem 50 anos que os jovens John Winston Lennon e James Paul McCartney se conheceram. Naquela tarde do dia 06 de julho de 1957, um sábado, Paul McCartney, então com 15 anos, convencido pelo amigo Ivan Vaughan foi em busca de “diversão feminina” em uma quermesse da Paróquia de São Pedro (Igreja Anglicana do bairro de Woolton). A programação musical incluía um grupo local chamado Quarrymen, liderado por John Lennon, um vocalista loiro de 17 anos, magro e que berrava como ninguém. Paul ficou bastante impressionado com a performance (e a cara de pau) de John, que por não saber as letras das canções que cantava, adaptava versos próprios para tapar buracos.

Ao final da apresentação, Ivan, que também era amigo de Lennon, tratou de apresentá-los. Segundo relatos dos integrantes originais do Quarrymen, esse primeiro contato não foi dos mais calorosos. Ainda assim, foi durante essa conversa que Paul pegou um violão e tocou “Twenty Flight Rock” (Rockabilly de Eddie Cochran), deixando John bastante entusiasmado, afinal, além de tocar bem, Paul sabia a letra inteira da música. Nessa época o Rock’n’Roll ainda engatinhava e encontrar alguém que demonstrasse os mesmos interesses era fundamental para seguir em frente. Duas semanas depois Paul McCartney passaria a ser um dos Quarrymen.

Uma das principais incentivadoras da dupla, mesmo que involuntariamente, foi Mimi, tia de John e responsável por sua criação. Ela era totalmente contra as aventuras musicais do sobrinho, e principalmente, contra a sua amizade com aquele sujeito chamado McCartney, que segundo ela, era uma má companhia. Tudo isso só viria a estimular ainda mais aquele adolescente rebelde que fazia de tudo para contrariar a tia.

Paul McCartney era um jovem de personalidade muito forte e isso conquistou John Lennon. Aos poucos os dois assumiram seus papéis de líderes dentro do grupo. As composições começaram a surgir, shows também, até que em 1962, já com o nome Beatles, eles conseguiram o contrato que mudaria a história da música.
O primeiro hit emplacado pela dupla foi o single “Love Me Do”. Foi a partir daí que o produtor musical George Martin se colocou como peça fundamental para evolução da parceria, exigindo cada vez mais e melhores canções. Aliada a isso, existia uma briga de egos – bastava John apresentar uma música nova que Paul tratava de aparecer com outra. Era uma disputa sadia, onde um tentava sempre superar o outro... assim surgiram “Help!” e “Yesterday”, “Strawberry Fields Forever” e “Penny Lane”, “Revolution” e “Hey Jude” e muitas outras canções que transformariam a dupla Lennon/McCartney na maior e mais bem sucedida dupla da história da música mundial.

Pode até parecer exagerado que uma banda com duração de apenas 8 anos (do primeiro single em 1962 ao último LP, de 1970) seja lembrada de forma tão grandiosa, mas não é à toa. Além de responsáveis por toda uma revolução musical, cultural e intelectual, os Beatles ainda registram números impressionantes: em 1970 eram mais de 300 milhões de discos vendidos... hoje esse número chega a 1,5 bilhão.
Em 1970 John Lennon cantou: “The dream is over” (O sonho acabou)... hoje nós temos certeza que esse sonha nunca acabará.

Nota: John Lennon e Paul McCartney, em meados da década de 60, já não compunham tão efetivamente juntos, porém, havia um acordo entre as partes onde se dizia que toda a obra composta por um ou por outro seria creditada à dupla.

“SEM NOÇÃO” é quem compra!!!

2007-07-03T14:36:00.001-03:00

Quando eu estava me preparando para começar a escrever algo sobre esse novo, que infelizmente não será o último, trabalho (seja lá o nome que dão pra isso) do “poeta” Latino, nomeado Sem Noção, me deparei com algumas coisas que realmente me assustaram. Uma das críticas que li dizia o seguinte:

“O cantor aposta mais uma vez no deboche, nos ritmos dançantes e nas letras com duplo sentido, mas o resultado, por mais incrível que possa parecer para os que torcem o nariz para a música pop, não é ruim. É divertido e fala com a linguagem dos adolescentes e das crianças, público que, cada vez mais, consome as músicas do cantor.”

“Meu Deus”, se essa é a linguagem dos adolescentes e das crianças, estamos perdidos. Será que é verdade que em pleno ano de 2007, com todas as facilidades existentes, o acesso à informação, tecnologia, internet e tudo mais que deveria servir a nosso favor, o que se oferece é LATINO? É hora de refletir... ou cortar os pulsos.

Durante a divulgação do CD, o “cantor” chegou a dizer em entrevistas que ele era um sujeito sem noção, fazendo referência à “música” de trabalho. Prefiro não comentar.

O CD conta ainda com a participação da atriz e diarista Cláudia Rodrigues na faixa “O Patrão e a Empregada”. Segundo Latino, o processo de gravação foi difícil porque a atriz não sabia cantar... caramba, os profissionais tiveram que trabalhar em dobro.

Gostaria de deixar claro que eu não tenho nada contra a pessoa física Roberto de Souza Rocha, apenas não concordo com os títulos de cantor e compositor que dão ao personagem Latino. Eu sei que surgirão os defensores dizendo que o Latino é gênio porque sabe ser comercial, escrevendo refrões pegajosos e de fácil assimilação. Eu ainda sou mais pela educação dos nossos jovens, esclarecendo e mostrando a diferença entre “bom” e “ruim”.

Diferente do que muitos defendem música não é apenas questão “gosto”. Existe uma estrutura inteligente por trás de tudo. Inúmeros artistas/músicos não me agradam musicalmente, mas eu seria incapaz de chamá-los de ruins. Música boa é música boa em qualquer lugar.

P.S.: eu poderia escrever linhas e mais linhas sobre essa triste “obra”, mas reservo-me a ficar por aqui.

Queen 2008

2007-06-27T13:49:00.003-03:00

A convivência profissional dentro de uma banda quase sempre é algo difícil. Os egos envolvidos, o amadurecimento individual, mudanças de vida e diversos outros fatores levam ao desgaste de seus integrantes, e consequentemente, ao fim desse sonho. Mas o público não quer saber disso, o público quer ver e ouvir seus ídolos juntos.

No decorrer de anos tem sido assim. Muitas bandas e parcerias não se suportaram, muitas delas foram além de seus limites. E quando o fim é (ou pelo menos parece) inevitável? Foi assim com uma das bandas mais populares de todos os tempos, o Queen. Com a morte prematura de Freddie Mercury tudo parecia acabado, afinal, a dificuldade não era apenas substituir o cantor, mas também a personalidade Freddie Mercury... mas o que parecia certo não se concretizou. Mesmo com a morte de seu vocalista e a posterior aposentadoria do baixista John Deacon, o Queen de Brian May (guitarra) e Roger Taylor (bateria) seguiu forte, fazendo shows, participando de eventos beneficentes e lançando inclusive o álbum de inéditas Made in Heaven, em 1995.

Ainda assim, havia a necessidade de alguém no posto de Mercury e isso fez o Queen recorrer à ajuda de Paul Rodgers (Bad Company e Free). Há alguns anos essa parceria já vinha mostrando valor, tendo inclusive promovido uma turnê em 2005, seguida do CD e do DVD ao vivo Return of Champions.

Quem achava que a parceria acabaria por aí, se enganou. Em recente entrevista a Billboard, Paul Rodgers disse o que todos queriam ouvir: temos um novo álbum a caminho. Segundo Rodgers, o trio já está em processo avançado de gravação, tendo já nove músicas registradas. A previsão de lançamento seria para o ano de 2008.

Com certeza surgirão aqueles puristas criticando a reunião e gritando para todos que “isso não é Queen”... e eu até concordo. Realmente não é o Queen que todos nós queríamos, mas é bom que fique claro que quem morreu foi Freddie Mercury – seria desperdício enterrarmos Brian May e Roger Taylor juntos.

PRODUÇÃO FONOGRÁFICA – Uma arte híbrida

2007-06-21T14:31:00.002-03:00

A maior parte das pessoas desconhecem os profissionais e o trabalho que envolve a produção de um CD. Muitas delas (incluindo alguns jovens músicos) NEM reconhecem a importância do trabalho desses profissionais.

A elaboração do produto disco inicia-se através de alguns princípios básicos, que são: repertório, pré-produção, gravação, mixagem e masterização. Há alguns anos, mais precisamente quando a tecnologia digital via softwares de gravação e edição em computadores ainda não controlava o mercado musical, essas etapas eram muito bem definidas através de profissionais que se colocavam inteiramente em suas funções – Diretor Artístico/Musical, Produtor Musical, Músico, Arranjador e Engenheiro de Som (Técnico de Gravação, Técnico de Mixagem e Técnico de Masterização).

Com a reviravolta do mercado, que permitiu facilidade no acesso tecnológico, os estúdios de gravação se “popularizam” e isso afetou diretamente o profissional. A informação criou necessidades nunca antes percebidas. O trabalho fundamentalmente especializado cedeu espaço para o “globalizado” artista músico (muitas vezes multi-instrumentista), Produtor, Arranjador e Técnico... um Produtor Fonográfico em forma de pessoa física (Esse papel antes era ocupado exclusivamente pelas Gravadoras).

O atual Produtor Fonográfico é aquele cara que passa por todos os lados da produção e é uma alternativa dentro de uma economia desfavorável ao mercado. É importante deixar claro que as funções da produção e os profissionais especializados não deixaram de existir. Ainda é comum a entrega de material a determinados profissionais em busca de sonoridades e resultados específicos.

Para entendermos melhor tudo isso, vamos pensar com o “bolso”: no antigo processo de gravação (analógico e/ou analógico/digital), uma produção exigia o envolvimento de muitos profissionais, consequentemente, se pagava mais por isso. Hoje um único profissional é capaz de trabalhar aliado ao artista na escolha do repertório, executar todos os instrumentos (reais ou virtuais) caso o artista não tenha banda, definir arranjo musical, gravar, mixar e masterizar. A modernização facilitou muito a vida para todos, inclusive permitindo algumas questionáveis “queimas” de etapa.

Ao contrário do que se pensa, a função do produtor não é modificar a obra. Ele existe para dar todas as condições de desenvolvimento eficaz e criativo da arte pelo artista, auxiliando ainda no direcionamento estético e musical da carreira, planejando e minimizando custos de produção.

Produzir é um trabalho racional e exige afastamento emocional da obra, sem perder o “feeling”. O Produtor Fonográfico nasceu para aliar música à tecnologia.

MÚSICA E CINEMA: O encontro

2007-06-19T14:04:00.006-03:00

Alguém conseguiria imaginar filmes como “E o Vento Levou”, “Psicose” ou “ET” sem suas respectivas trilhas sonoras? A música sempre se mostrou uma necessidade do cinema e a prova maior disso está no cinema mudo, que nunca conseguiu ser totalmente mudo.

A música vem, hierarquicamente, em um plano inferior dentro do complexo sonoro do filme. Mesmo com essa inegável subordinação, na maioria das vezes a trilha tem importância decisiva no resultado final da obra.

Os músicos se tornaram os parceiros essenciais dos cineastas, levando a responsabilidade que um instrumento narrativo valioso tem de ressaltar o conteúdo emocional da história e articular estados psicológicos. Por ser uma linguagem universal tão eficiente quanto rápida quando se quer mexer com os sentimentos de alguém, a música se tornou a liga necessária ao cinema para envolver o espectador.

Inicialmente a música era tocada ao vivo, na maioria das vezes, por pianistas, que expressavam no instrumento o que eles sentiam a cada cena que se passava. Apenas no ano de 1926, com o surgimento de uma nova tecnologia que incluía um projetor e um toca discos funcionando em sincronia, a música deixou de ser executada ao vivo.

A trilha sonora cinematográfica, durante anos, foi composta por temas eruditos de origem européia. As mudanças começaram a acontecer a partir da década de 50, com o fim da Segunda Grande Guerra e da inocência mundial, com o surgimento da televisão e, principalmente, com a americanização das trilhas. Nesse período, com o fortalecimento da indústria fonográfica, houve a consolidação da música como poderosa ferramenta comercial. Tornaram-se comuns as canções-título. Os anos 60 levaram, definitivamente, a música popular para o cinema.

Não importa, a música precisa do cinema e o cinema precisa da música, seja ela como elemento climático ou para destacar uma ação. Valeu superar toda a dificuldade inicial (o que fazer com o som? Precisa de som? Não ouço nada?). A evolução permitiu ao cinema encontrar a forma ideal de aliar o som a sua linguagem.

Um preço a ser pago

2007-06-15T11:02:00.001-03:00

Final de semana chegando e o pensamento não poderia ser outro: “vou dar uma passada na locadora e pegar um DVD”. Esse se tornou um grande passa-tempo entre adultos e crianças. Chega a ser engraçado pensar que muitos dos filhos dessa geração são incapazes de visualizar as antigas fitas de vídeo.
Apesar de todas as facilidades das novas mídias de gravação e reprodução, como manuseamento e durabilidade, o trunfo é um só: A "IMAGEM" PERFEITA. Foi assim quando migramos do Vinil para o CD e foi assim quando abandonamos o VHS em favor do DVD. A busca pela perfeição é incansável e a tecnologia se mantém como forte aliada nessa “guerra”. Mas não podemos esquecer que muitas vezes se paga caro por isso... literalmente.

O nosso jovem DVD pode estar com os dias contados. Há dois anos se iniciou uma briga por sua sucessão, surgindo primeiro o Blu-ray e, tempos depois, o HD-DVD. Ainda pouco conhecidas no Brasil, Blu-ray e HD-DVD se tratam de duas tecnologias (similares) com alta capacidade de armazenamento óptico. O Blu-ray foi desenvolvido pela Sony com apoio das empresas Apple, Panasonic, Philips, Samsung e Sharp, além de alguns estúdios de cinema, e é capaz de armazenar até 25 GB em um disco de camada única e 50 GB em disco de camada dupla. Do outro lado, o HD-DVD, que foi desenvolvido pela Toshiba com suporte da Microsoft, Sanyo, NEC e alguns estúdios de Hollywood, armazena 15 GB em disco de camada única e 30 GB em disco de camada dupla.
Com o nascimento da TV de alta definição, capaz de trabalhar com resoluções de até 1920x1080 pixels, essas novas mídias (aparentemente iguais ao DVD tradicional) vieram como solução para todos os problemas. Para se ter uma idéia, duas horas de vídeo de alta definição com compactação de dados exige 22 GB de espaço em disco, enquanto que a atual mídia de DVD (DVD-18 – disco de dois lados e duas camadas por lado) oferece capacidade de armazenamento de 17 GB e resolução máxima de 720x480 pixels.
Apesar da capacidade maior de armazenamento por parte da Blu-ray, a aposta da HD-DVD é o preço mais acessível. Fazendo uma análise geral, podemos concluir que as duas mídias podem ter espaço no mercado. Para a indústria cinematográfica a HD-DVD seria mais interessante, pois 30GB é suficiente para o armazenamento de filmes de alta definição. Já nas aplicações de informática (software, vídeo-games e back-up), quanto maior o armazenamento, melhor.

Tudo isso parece muito bonito, mas e na prática? É bom que as pessoas tenham conhecimento do investimento necessário para fazer uso dessa alta definição. Quem compra hoje um player de Blu-ray ou HD-DVD tem que estar ciente de que esses aparelhos são responsáveis por decodificar e exibir em uma televisão as informações existentes nas mídias, que são apenas meios físicos para armazenamento de conteúdo em alta definição. Portanto, nenhum gasto é válido se o aparelho de televisão utilizado for o convencional, que tem definição inferior. É bom lembrar também que a alta definição inclui áudio, ou seja, não basta investir apenas em um novo meio de projeção, será necessário também um bom sistema de som.
Se você acha que os problemas acabam aí, tem mais. Os DVDs atuais já exibem imagens bastante superiores às exibidas em filmes transmitidos por emissoras de TV. Essas imagens melhoram muito quando às vemos em televisores de plasma e LCD. A questão toda é que mesmo esses aparelhos melhorados não são preparados para alta definição e sim para a definição padrão (Standart), superiores aos modelos tradicionais (tubo), mas longe dos novos padrões de DVD. Outra questão é que tanto os players de Blu-ray quando os de HD-DVD, são capazes de suportar a leitura dos atuais CDs e DVDs, porém, não se reconhecem. Como solução para isso já existem aparelhos que executam ambos os formatos... claro que com um preço bem mais alto.

Com tudo isso, a certeza que podemos ter é que por enquanto o nosso DVD ainda satisfaz a maioria dos usuários e seria precipitado investir alto em um negócio onde não podemos prever um ganhador, se houver ganhador.

Se todo mundo pode, o Genesis também pode!!!

2007-06-13T15:12:00.002-03:00

Depois de um longo período de ressaca, começou nesta última segunda-feira (11/06) a tão esperada turnê européia e norte-americana do Genesis. A turnê intitulada “Turn It On Again”, em referência ao grande sucesso da banda na década de 80, passa pela Finlândia, Dinamarca, Alemanha, Suíça, Áustria, Hungria, Polônia, França, Holanda, Grã-Bretanha e Mônaco, terminando a seqüência européia em 14 de julho no Coliseu de Roma. Depois o grupo segue para a América, passando por Montreal, Filadélfia, Boston, Chicago, Toronto, Washington, Nova York, Los Angeles, Denver e Sacramento, entre os dias 5 de setembro e 13 de outubro.

O Genesis é a banda que mais integrantes abrigou em sua longa trajetória e talvez por isso ela nunca tenha oficialmente acabado. Desde o seu nascimento, passaram pela banda Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Chris Stewart, Anthony Phillips, Jonathan Silver, Jonathan Mayhew, Phil Collins, Steve Hackett, Chester Thompson, Daryl Stuermer e Ray Wilson, e por motivos mais do que óbvios essa reunião “torta” não conta com os 12 integrantes.

Tudo começou em meados de 2005, quando boatos sobre uma possível “reunião” do grupo começaram a surgir, fato sempre negado pela assessoria da banda. Apenas no final de 2006 o Genesis veio a público para comunicar a nova empreitada. A formação atual já pode ser considerada uma das melhores, tendo Phil Collins (Voz e Bateria), Mike Rutherford (Vocais, Baixo e Guitarras), Tony Banks (Vocais e Teclados), Daryl Stuermer (Vocais, Guitarras e Baixo) e Chester Thompson (Bateria). Peter Gabriel e Steve Hackett também foram convidados para a “festa”, mas compromissos profissionais não permitiram que os dois se juntassem à banda.

O Genesis foi fundado em 1967 por Peter Gabriel, Mike Rutherford e Tony Banks e se manteve como uma banda de Rock Progressivo até 1975, quando Peter Gabriel resolveu seguir em carreira solo. Phil Collins, que integrava a banda como baterista desde 1970, assumiu os vocais e levou o Genesis para direções mais comerciais, gerando críticas pesadas ao grupo por parte dos mais puristas. Independente disso, a fase Collins foi a mais vendável e é a mais lembrada até hoje. No final da década de 90, quando Phil Collins já não integrava mais a banda, Mike Rutherford e Tony Banks colocaram Ray Wilson nos vocais, sem grande sucesso.

Os shows dessa Turnê prometem. No repertório estão incluídos os sucessos “Mama”, “I Can't Dance”, “Turn It On Again”, “Invisible Touch” e “Throwing It All Away”. São quase 40 anos de existência e muita música boa. Infelizmente, mais uma vez o Brasil ficou de fora da rota. Nos resta apenas aguardar pela dupla CD e DVD, que certamente virá.

Apenas o que eu ouço

2007-06-12T14:33:00.000-03:00

É uma sensação diferente. Rodeado por lágrimas eu me entrego à notas que não sei bem de onde vem. Mas elas existem, pelo menos pra mim... e eu não posso explicar, você não pode explicar. Ninguém pode.
A pureza transmitida, por um momento vira tensão... e ainda assim, não há quem explique. É covardia tentar encontrar um rumo quando não se sabe para onde quer ir. Melhor seguir em frente.
Outra sensação toma conta. É hora de refletir... pensar no passado e, pelo menos, projetar um futuro – qualquer que seja ele. Abrir os braços, sabendo que esse gesto não é em vão. É difícil, eu sei, ainda estou tentando... a evolução está na alma do homem.
Quero pensar alegre. É um direito que eu tenho... que todos nós temos. Quero ser o herói do mundo.
Ainda que continue havendo melancolia nas notas que choram, temos alguma chance. Vida, morte... acima de tudo, esperança. Não quero complicar nada, só “pisar” com segurança. Eu não estou destruído.
Quero apertar mãos e dizer: “Obrigado, volte sempre”.

Esse texto foi escrito enquanto eu ouvia “Even Odds” (Jeff Beck), “Air On a Theme” (Yngwie Malmsteen), “Son & Sylvia” (Eric Clapton), “Local Hero” (Mark Knopfler), “Marwa Blues” (George Harrison) e “Obrigado, volte sempre” (Sidney Linhares), nessa ordem.

John Fogerty: The Long Road Home In Concert

2007-06-11T14:45:00.001-03:00

Para quem não reconhece o nome, John Fogerty foi o cantor, compositor, guitarrista e co-fundador de uma das bandas mais populares das décadas de 60 e 70, o Creedence Clearwater Revival, que era integrada ainda por Tom Fogerty (falecido em 1990 em decorrência da Aids), Doug Clifford e Stu Cook. A banda acabou, mas Fogerty nunca parou e a prova disso está nesse excelente DVD que apresenta clássicos de sua carreira solo e da banda que o projetou para o mundo.

Como sempre acontece, John Fogerty: The Long Road Home In Concert ainda não possui uma edição nacional, mas nos dias de hoje isso não chega a ser um problema. O DVD importado pode ser encontrado com facilidade em diversas lojas do ramo.

No show gravado em 2005 no lendário Wiltern Theater, Los Angeles, John Fogerty mostra que a maturidade dos seus mais de 60 anos não comprometeu em nada sua voz cortante. Com um repertório que mescla o bom e velho Rock’n’Roll com o Country Rock, podemos ouvir canções atuais, como “The Old Man Down The Road” e “Deja Vu (All Over Again)” em meio aos hits “Wholl Stop The Rain”, “Lodi”, “Down On The Corner”, “Rockin All Over The World” e “Proud Mary” (canção que ficou ainda mais conhecida na década de 70 ao ser interpretada por Elvis Presley).

Quem nunca se pegou cantando em um dos bares da vida: “I Want to know, Have You Ever Seen The Rain?” ? Por isso não podemos deixar de citar a música que talvez seja o maior sucesso do Creedence no Brasil - “Have You Ever Seen The Rain?”. Pela primeira vez, John Fogerty incluiu em um DVD oficial de sua carreira solo uma performance ao vivo desse clássico.

Aproveitando essa onde revival, muitas pessoas devem se perguntar: “O Creedence tem volta?”. Para quem espera por isso a notícia não é muito boa. Em recente entrevista, Doug Clifford e Stu Cook se manifestaram a favor de uma reunião do grupo, ressaltando inclusive que os motivos que os levaram a separação já foram superados, porém, John Fogerty não se mostrou muito favorável a esse reencontro.

É importante esclarecer também que Creedence Clearwater Revival e Creedence Clearwater Revisited (que passou em turnê pelo Brasil) são duas bandas diferentes. Creedence Clearwater Revisited se trata de um projeto encabeçado por Clifford e Cook onde eles tocam sucessos da banda original.

Já que não podemos esperar muito por essa volta do Creedence aos palcos, o negócio é passar o tempo curtindo esse registro impecável de John Fogerty... e quem sabe um dia ele nos faz uma visita.

Falando música

2007-06-08T16:44:00.001-03:00

É impossível, nos dias de hoje, imaginar a vida na ausência de música. A música surgiu como uma forma de linguagem, permitindo a comunicação entre povos e culturas diferentes. Ao contrário do que se pensa, a complexidade da música pode ser diluída de forma simples à compreensão de todos. Se música é linguagem, então a dúvida fica por conta de entender como isso se aplica.

Vamos imaginar uma banda, com inúmeros instrumentos musicais que “falam” entre si. Tecnicamente, cada instrumento tem a sua particularidade... podemos então definir instrumentos como IDIOMAS. Pessoas falam português, pessoas falam inglês, pessoas falam alemão... pessoas “falam” guitarra, pessoas “falam” piano, pessoas “falam” bateria...

Na linguagem falada existem sons. Na música existem 7 notas musicais e suas variações, chamadas sustenidos (#) e bemóis (b), que representam a “linguagem falada” do músico. Para que os músicos pudessem trabalhar em conjunto, foi criado o “alfabeto” do músico, ou seja, símbolos que fossem capazes de representar notas e acordes dentro de todo o sistema de escrita musical (NOTAÇÃO MUSICAL). Mas em todo mundo existem gírias e em música elas são chamadas de CIFRAS. A cifra é um mecanismo de abreviação de acordes e também são representadas através de símbolos (letras). São elas: A (lá), B (si), C (dó), D (ré), E (mi), F (fá) e G (sol).

Mas o que são ACORDES? Acordes são como palavras. Da mesma forma que usamos letras para formarmos palavras, nós usamos notas musicais para formarmos acordes. No idioma falado o fato de conhecermos palavras isoladamente não nos permite a comunicação, e na música não poderia ser diferente. Acordes não são suficientes para termos música, precisamos construí-la. Esse é o papel da MELODIA, que de forma harmônica pode ser compreendida, assim como os sons (pronúncia) que emitimos com as nossas bocas. O conjunto de letras, palavras e sons formam frases... o conjunto de notas, acordes, melodias e SILÊNCIO formam música.

A música fascina por sua capacidade de interagir com as pessoas. Às vezes nos arrepiamos ouvindo algo que “ao pé da letra” não compreendemos, mas podemos sentir. Quando eu tive o meu primeiro contato com a música, me falaram que música era matemática. Quando eu comecei a estudar música, me mostraram que música era física. Hoje eu entendo que música é a minha razão.

Agora eu estou sentado na poltrona… ouvindo

2007-06-07T14:24:00.002-03:00

Depois de 43 produtivos anos ao lado da Capitol/EMI, o sempre Beatle Paul McCartney rompeu a parceria que parecia eterna. Marcando esse evento, McCartney lança Memory Almost Full, novo álbum com 13 canções inéditas (onde uma "suíte" faz a ligação entre as faixas 8 e 12), inaugurando o selo Hear Music, pertencente a uma rede de cafeterias americana, a Starbucks (a distribuição mundial está sendo feita pela Universal Music).
Segundo o próprio Paul, Memory Almost Full representa uma reflexão sobre o passado, a infância em Liverpool, juventude e amigos. Ainda assim, o álbum parece muito mais experimentalista do que intimista.
Seguindo então o raciocínio do criador, se olharmos para trás, poderemos ver que nos últimos 10 anos Paul McCartney esteve inquieto. Fazendo um levantamento por alto, foram em torno de 20 produtos lançados, entre CDs e DVDs. Como se isso não bastasse, Paul ainda participou de concertos que renderam tanto CDs como DVDs, entre eles, Music For Montserrat, Party At The Palace, Concert For George e Live 8.
Pensam que acabou? O cara ainda deu canja nos CDs de Tony Bennett (The Very Through Of You), George Michael (Heal The Pain), George Benson & Al Jarreau (Bring It On Home To Me) e Stevie Wonder (A Time To Love).
Tudo isso já é suficiente para nos mostrar que, prestes a completar 65 anos, o velho Macca está mais “vivo” do que nunca... mas não vamos perder o foco!!!
Memory Almost Full é diferente de Chaos And Creation In The Backyard, que era diferente de Driving Rain, que era diferente de Run Devil Run e assim por diante... e isso que é bom. Essa constante mudança, mesmo depois de tanto tempo, é que cria a expectativa sobre o que virá pela frente. Com canções mais “pra frente”, McCartney ressuscita o produtor David Kahne, com quem já havia trabalhado no álbum Driving Rain. Segundo Paul, as gravações que deram origem ao álbum Memory Almost Full começaram ainda em 2003, mas foram interrompidas para a realização de Chaos And Creation, sendo retomadas apenas em 2006.
Muitos fãs não gostam de comparações entre álbuns, mas eu acredito que para as pessoas que ainda não tiveram oportunidade de ouvir um trabalho, a melhor orientação surge relacionando álbuns e canções.

Música por Música:

Dance Tonight: Boa, apenas isso. Na verdade, “Dance Tonight” nos passa aquela sensação de “eu já ouvi isso antes”. Nela Paul convida a todos para uma dança, em ritmo alegre, onde o que fala mais alto é o Bandolim. Mesmo não sendo a obra-prima do álbum, foi a faixa escolhida para a produção do primeiro clipe, que teve direção do francês Michel Gondry, vencedor de dois Oscar pelo longa “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças”.
Ever Present Past: Primeira música de trabalho. A sonoridade, com guitarras contidas e sintetizadores, nos faz lembrar muito as canções do álbum Driving Rain. É uma boa canção comercial. Com uma única ouvida você será capaz de cantarolala por dias.
See Your Sunshine: Bela canção com harmonias vocais muito bem feitas, uma linha de baixo maravilhosa e um piano sempre presente. Ela se divide em três partes com levadas bem distintas, surpreendendo a cada momento. Passaria tranqüilamente como uma canção do álbum London Town, lançado com os Wings em 1978.
Only Mama Knows: Rock’n’Roll de verdade... aliás, como não se faz mais nos dias de hoje. Introduzida com cordas, esperamos mais uma balada até que um riff de guitarra nos joga direto a “Junior’s Farm”, do Wings. Como tudo que marca a obra de McCartney, “Only Mama Knows” é uma daquelas canções assobiáveis. Tem gosto de Back To The Egg. Seria ela a irmã caçula de “So Glad To See You Here”? Os violinos voltam para dar fim à canção.
You Tell Me: Com cara de Flaming Pie, essa é a primeira balada do álbum, dando direito a contracantos, vocais bem construídos e guitarras dobradas. Paul conduz muito bem ao violão o seu canto melancólico. Futuramente “You Tell Me” será lembrada como uma das mais belas baladas já composta por McCartney.
Mister Bellamy: Agradavelmente experimental. Nela Paul ressurge com suas brincadeiras vocais e ao piano aponta para novas direções melódicas. O clima de McCartney II está mais presente do que nunca, com efeitos processando vozes, guitarras e sintetizadores. Não podemos deixar de citar o inesperado final em clima de “Magical Mystery Tour”.
Gratitude: Empolgante canção com tom Soul/Golpel onde o velho Macca solta a voz e seu lado Ray Charles. A linha de baixo é outro ponto forte, servindo para mostrar porque Paul é um dos baixistas mais influentes de todos os tempos. “Gratitude” parece ter a mesma intenção que “After The Ball” teve dentro do álbum Back To The Egg.

Vintage Clothes: Essa é a minha favorita. É musicalmente alegre e trás uma letra que reflete sobre a nostalgia. Vozes e mais vozes valorizam todo o conjunto, onde o piano e os violões se misturam parecendo um único instrumento. Em determinado momento, a levada folk dá lugar ao experimentalismo com ares de Tug Of War.
That Was Me: Essa também parece ter saído de uma daquelas sessões de gravação de Tug Of War e Pipes Of Peace. Rockabilly com pinta de “Sweetest Little Show”. Ótima forma de dar continuidade à faixa anterior, mantendo o ritmo forte.
Feet in the Clouds: Violões a mostra, poderia tranqüilamente estar dentro de Chaos and Creation. Os vocais aqui continuam muito presentes. Paul usa o velho Vocoder e cria texturas que nos remetem ao antigo sucesso da fase Press To Play, “Once Upon A Long Ago”.
House of Wax: Pianão, guitarras sólidas e uma voz impecável. Posso até criar polêmica, mas a sonoridade dela me leva direto ao álbum Press To Play, que apesar de muito criticado, eu gosto. Os delays e os demais efeitos vocais transmitem toda aquela tristeza de “However Absurd”.
End of the End: Tenta transmitir de forma alegre um momento triste. Paul especula sobre sua morte, deixando um testamento musical. Construída com voz e piano sobre uma leve "cama" de violinos, talvez a única coisa dispensável nela seja o assobio... e a morte.
Nod Your Head: Mais um Rock’n’Roll com simplicidade e voz rasgante. Parece uma continuidade para “Rinse The Raindrops”, com a vantagem de ter apenas 1 minuto e 58 segundos, e não os mais de 10 minutos da música que integra “Driving Rain”. E a sensação de ouvi-la é muito boa.

Está sendo lançado também o Memory Almost Full Deluxe Edition, que acompanha um segundo CD com 4 faixas, entre elas três novas canções e uma entrevista de 25 minutos onde o próprio Paul descreve sua última obra.

Paul McCartney não foi eleito o compositor do século à-toa... definitivamente, ele veio ao mundo para ensinar que quando a memória está quase cheia, é só esvaziá-la.

CD Zero – Que nota você dá?

2007-06-04T18:07:00.005-03:00

No último dia 28 de maio a Sony/BMG apresentou uma nova idéia para dar aquela movimentada na indústria fonográfica. Essa idéia foi batizada de “CD Zero”, mas diferente do que muitos acreditam, a sua função no mercado não é atuar como o nosso antigo compacto simples (single play) da era do vinil. Para entendermos melhor isso, precisamos voltar alguns anos atrás, quando outros formatos ocupavam uma fatia considerável do mercado de discos.

A idéia básica do compacto simples era divulgar antecipadamente ao lançamento do LP (Long Play), de uma a quatro músicas que fariam parte desse trabalho. O objetivo disso era testar, com baixo custo, a aceitação do produto (música e/ou artista) diante de seus consumidores. Claro que havia exceções, principalmente no mercado internacional, onde alguns artistas não incluíam o single no trabalho completo, ainda que a função de divulgar fosse a mesma.

Outro formato antigo é o EP (Extended Play), nome dado por se tratar de um formato longo demais para ser um single e curto demais para ser um álbum (carrega em média de 5 a 8 músicas) e sua produção se deve basicamente ao seu baixo custo. O EP voltou a se tornar popular nos últimos anos por ser um recurso muito utilizado por pequenas bandas que buscam divulgar um trabalho.

Então o que é o CD Zero?
O CD Zero é um produto nacional e uma versão alternativa de vida própria, ainda que tenha bastante similaridade com o EP. O “Zero”, que é lançado simultaneamente com o CD "cheio", trás 5 músicas ao preço de R$ 9,99, mas sua existência se dá principalmente como uma arma no combate à pirataria. Estratégia questionável, porém, válida. Devemos lembrar que o pirata é um produto similar ao original com menor preço, enquanto que no CD Zero o consumidor paga menos porque compra menos. Outro serviço que se agrega ao CD Zero é a venda de música on-line. O Consumidor que adquirir o CD Zero e posteriormente se interessar em comprar as músicas restantes, poderá fazer isso através da compra individual das outras faixas pela internet. A Sony/BMG estuda ainda a possibilidade de criar parcerias com lojas e revendedores, a fim de oferecer desconto ao consumidor que adquirir o CD completo mediante apresentação da nota de compra do CD Zero.

A inauguração do CD Zero foi com a cantora Vanessa da Mata e o CD “Sim”. A intenção da gravadora é, futuramente, colocar todos os seus artistas dentro do novo formato.

O negócio agora é torcer para que todas essas iniciativas, voluntária ou involuntariamente, beneficiem a informação e a cultura.

DARK SIDE OF THE MOON... A Turnê!!!

2007-06-04T13:20:00.002-03:00

Confesso que até poucos minutos antes de começar o tão esperado show de Roger Waters pela turnê DARK SIDE OF THE MOON, minha grande preocupação era em relação ao som. A Apoteose é conhecida por apresentar problemas sérios de acústica. Para sorte dos que lá estavam, a equipe técnica de Waters também sabia disso.

Com uma banda, em parte, já conhecida de seus fãs, Roger Waters veio acompanhado de Andy Fairweather Low (guitarra e vocais), Dave Kilminster (guitarra e vocais), Snowy White (guitarra), Jon Carin (teclados e vocais), Harry Waters (teclados), Ian Ritchie (sax), Graham Broad (bateria) e Katie Kissoon, PP Arnold e Carol Kenyon, (todas nos vocais).

Como particularidade, essa turnê trazia um show dividido em duas etapas. A primeira era composta por sucessos do Pink Floyd e da carreira solo de Roger Waters. A segunda trazia a tão esperada íntegra do álbum DARK SIDE OF THE MOON, álbum que é considerado a obra-prima do Floyd, registrando a maior vendagem da banda e uma das maiores de todos os tempos.
A apresentação estava recheada: começou com “In the Flesh” e seguiu por “Mother”, “Shine on You Crazy Diamond”, “Have a Cigar”, “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Wish You Were Here” e “Sheep”, entre muitas outras. Fora explosões, fogo no palco e tudo mais que acompanha uma mega-produção, um dos momentos mais esperados da primeira parte do show era a presença do porco inflável sobrevoando a Apoteose ao som de “Sheep”. O objeto trazia mensagens de paz, indignação, revolta e liberdade... era o pedido de socorro para uma nação.

Depois de uma pausa de 15 minutos, estávamos todos prontos para a mágica de DARK SIDE. Conforme ia aumentando o característico som de batimento cardíaco que marca o início (e o fim) do álbum, era possível perceber os corações acelerados na platéia. “Breathe”, “On the Run”, “Time”, “Money”, “Us and Them”, “Brain Damage”, “Eclipse”, enfim, todo o álbum estava sendo tocado ali, diante dos nossos olhos e ouvidos. O prisma que lançava raios coloridos de laser servia para nos ambientalizar ainda mais ao clima floydiano.

O que tornou o álbum DARK SIDE OF THE MOON um marco não foi apenas a qualidade da música, mas também toda a produção, incluindo arte gráfica, visual, tecnologia e técnicas de mixagem utilizadas. Waters conseguiu incorporar de forma competente tudo isso dentro da turnê.

Ao final do show, quando muitos pensavam ser aquela a última batida de um coração, a banda voltou para um bis com gosto de THE WALL. Pudemos ouvir ainda “The Happiest Days of Our Lives”, “Another Brick in the Wall – Part. II” (emocionando com o acompanhamento feito pelo coro infantil da UFRJ), “Vera”, “Bring the Boys Back Home” e “Comfortably Numb”.

Definitivamente, Roger Waters promoveu um encontro de gerações. Era a nostalgia de pais que viram tudo começar ao lado da admiração de filhos que não acreditavam no que estavam vendo; e eu estava lá... com meu pai.

Então o Sgt. Pepper’s te pegou de surpresa...

2007-06-01T18:12:00.002-03:00

Em 1971, John Lennon lançava o álbum "Imagine", que trazia na canção "How Do You Sleep?" um desabafo crítico sobre seu ex-parceiro Paul McCartney: "So Sgt. Pepper's took you by surprise"... Deixando essas brigas de lado, na verdade, o Sargento Pimenta pegou todo mundo de surpresa.
O álbum SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND foi apresentado ao mundo no dia 01 de junho de 1967. O fato de ser um novo trabalho dos Beatles já era suficiente para atrair toda a atenção. Então, qual a razão dessa fixação envolvendo o "Sgt. Pepper's", se álbuns como "A Hard Day’s Night", "Help!", "Revolver", "The White Album", "Abbey Road" e "Let It Be" (só para citar alguns) também são obras constantemente lembradas?
"Sgt. Pepper's" representa mudanças não só na música, mas também em todo o conceito de arte. Em 1967 a tecnologia engatinhava e o bom resultado de um trabalho ainda dependia muito dos poucos recursos oferecidos aliado às grandes idéias das pessoas envolvidas.

A IDÉIA INICIAL:

A idéia era "transformar" os Beatles em uma nova banda. Na época se iniciava todo aquele movimento hippie e o Rock'n'Roll fervia com o surgimento de novas bandas. Longos nomes era o que estava na moda... assim surgia a banda "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", pronta para se apresenta diante da sua "ilustre" platéia (representada na capa).

AS MÚSICAS

Mas a supresa maior estava prensada no vinil. As músicas se ligavam, seguindo um conceito... o que hoje chamamos de álbum conceitual nascia ali. Novas temáticas, orquestra, colagens sonoras, música indiana.... tudo de uma forma organizada como nunca havia sido feito antes:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band: a faixa que dá nome e abre o disco convida todos para se juntarem à "Banda dos Corações Solitários do Sargento Pimenta".
With a Little Help From My Friends: Billy Shears pede ajuda aos amigos para cantar suas canções. Tornou-se a nº 1 das paradas de sucesso 1 ano mais tarde com a gravação de joe Cocker.
Lucy in the Sky with Diamonds: polêmica, fazia viajar por suas iniciais (LSD). John Lennon sempre afirmou que a canção era inspirada em um desenho que seu filho Julian havia feito na escola. Devido à suposta menção às drogas a faixa foi banida pela BBC.
Getting Better: canto à felicidade. Uma busca pela melhora pessoal.
Fixing a Hole: chegou a ser apontada como uma referência ao uso de heroína, mas isso nunca foi confirmado.
She's Leaving Home: a música conta a história de uma garota que foge de casa. A inspiração veio de um fato real que havia sido publicado na imprensa britânica.
Within You Without You: única canção de George Harrison no ábum. Baseada na música de Ravi Shankar, Harrison é o único Beatle existente na gravação. Ele foi acompanhado por músicos indianos.
Being For The Benefit Of Mr. Kite!: escrita por John Lennon, teve inspiração no cartaz de um circo de 1843. A gravação tenta recriar um clima circense utilizando órgãos e bateria de uma forma nunca utilizada anteriormente em uma canção popular.
When I'm Sixty-Four: primeira faixa a ser gravada para o disco. Parece surgir da década de 20. Segundo Paul, ele a escreveu quando tinha 15 anos, inspirado em seu pai.
Lovely Rita: conta a história de Rita, uma controladora de parquímetros. Depois de seu lançamento, surgiram inúmeras "Ritas" se dizendo a fonte de toda inspiração.
Good Morning, Good Morning: canção de John que chama a atenção pela colagem com sons de animais. As fitas que traziam esses sons estavam perdidas dentro de um dos armários dos estúdios da Abbey Road. Sorte nossa elas terem sido descobertas a tempo.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise): a banda do Sargento Pimenta se despede em tom de Rock'n'Roll.
A Day in The Life: conclui o álbum. John e Paul encerram com essa obra que consegue transmitir melancolia e alegria.

CURIOSIDADES:

A capa: Disco novo nas prateleiras e a surpresa já começava pela capa. A capa de "Sgt. Pepper's" trazia John, Paul, George e Ringo cercados por figuras antológicas. Lá estavam representados os Rolling Stones, Bob Dylan, Marlon Brando, Stan Laurel, Marylin Monroe, Sonny Listen, Aleister Crowley, Fred Astair, Edgar Allen Poe, Tony Curtis, Karl Marx, Ghandi, Albert Einstein, Lewis Carroll, entre muitos outros (há quem diga que até Adolph Hitler estava lá);
Encarte com letras: O que era aquilo na contracapa? Pela primeira vez na história, um disco trazia as letras de todas as músicas;
Gravando: gravado entre 06 de dezembro de 1966 e 01 de abril de 1967, "Sgt. Pepper's" consumiu aproximadamente 700 horas de gravação. Com técnica inovadora para época, todo álbum foi feito utilizando apenas 8 canais de gravação (dois gravadores analógicos de 4 canais tocando de forma sincronizada).
Psicodelia: é considerado por muitos como a primeira obra do Rock Psicodélico.
Um dublê para o Paul: Carregado de mensagens subliminares, tudo indicava que realmente, Paul McCartney estava morto, alimentando ainda mais a lenda que surgira anos antes.
Grammy: Os Beatles ganharam quatro prêmios Grammy pelo trabalho: "melhor álbum do ano", "melhor capa de álbum", "melhor álbum de música contemporânea" e "melhor engenheiro de som" (Geoff Emerick).
Consagração: Em 2003, a Revista Rolling Stones publicou um artigo com os 500 melhores álbuns de todos os tempos. "Sgt. Pepper's" encabeça a lista. Além disso, Os Beatles possuem 11 álbuns na lista, estando 4 deles no top 10. Desta forma, eles representam o artista/grupo com o maior número de álbuns na lista.
Sempre lembrado: Muitos artistas parodiaram a capa de "Sgt. Pepper's", entre eles Frank Zappa e Zé Ramalho.

Quem em 1964 lotava os cinemas para assistir e ouvir o simples (e excelente) "A Hard Day's Night", jamais imaginaria que 3 anos mais tarde estaria com o "Sgt. Pepper's" debaixo do braço, acompanhando mudanças de pensamentos, cultura, moda, política e música.

Eu não vivi a época, mas o impacto da obra em mim não foi menor por isso. SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND tem uma importância inegável... e ainda hoje, quando se festeja os seus 40 anos, eu me surpreendo.

Quem são os “Piratas”?

2007-06-01T09:40:00.001-03:00

Em dias de crise no Mercado Fonográfico, essa é a pergunta que não quer calar. Quando Thomas Edison proporcionou ao mundo o primeiro registro sonoro com seu fonógrafo e a frase “Mary Had a Little Lamb”, ele com certeza não imaginava que aquele novo “brinquedinho” se tornaria um grande negócio... pelo menos durante algum tempo.

Com o surgimento das grandes gravadoras e do comércio musical, era necessária a criação de uma estrutura organizacional que pudesse administrar essa nova forma de empreendimento: a música deixava de ser apenas arte e passava a ser também dinheiro... surgiam os fonogramas (música fixada em um suporte físico) que serviam como garantia para as gravadoras e davam a elas, sob a alegação das enormes despesas de uma produção, a maior parte percentual dos valores arrecadados com a vendagem de discos. A partir daí, para cada música existiam três principais pontas beneficiadas: os autores da obra (direitos autorais), os intérpretes (direitos conexos) e as gravadoras (vendas).
Até a década de 80, o custo do processo de gravação e produção musical era muito elevado, o que permitia às gravadoras o total controle desse vantajoso negócio. Esse monopólio gerava conflitos – grande parte dos compositores e músicos questionavam os valores recebidos pelas vendas (futuramente, questionariam também a oposição das gravadoras à proposta de numeração dos discos), alegando que estas “pirateavam” seus próprios fonogramas e manipulavam as planilhas de venda.
Buscando renovação para um mercado que começava a dar sinais de saturação, as gravadoras praticamente aposentaram o velho disco de vinil e trouxeram à tona um novo suporte físico chamado Compact Disc (CD), tendo como atrativo a melhor qualidade sonora. O que não se podia esperar era que essa evolução tecnológica viesse acompanhada do desmoronamento da, até então, sólida Indústria Fonográfica.
A partir de meados da década de 90, custear e produzir música já não era mais visto como algo inatingível para míseros seres humanos. Com a era digital, os equipamentos de áudio se tornaram acessíveis e começaram a surgir os pequenos estúdios caseiros, que se tornariam Selos e mudariam a figura do Produtor Fonográfico. Em paralelo, o crescimento da Internet apresentava ao mundo os primeiros terrores das gravadoras – o Napster, o Kazzaa e outros sites possibilitavam aos usuários o Download de músicas, vídeos e todo tipo de registro sonoro sem qualquer custo e totalmente fora do controle das gravadoras – era apenas o início da crise.
A elevação dos preços dos CDs nas lojas e os baixos preços das mídias de gravação (muitas delas fabricadas pelas próprias gravadoras) em qualquer estabelecimento comercial, legalizado ou não, fizeram com que os gravadores passassem a configurar grande parte dos computadores caseiros. Agora qualquer um poderia fazer seus “piratinhas” sem precisar gastar dinheiro. È interessante observarmos ainda que antes do CD, a fita K7 era bastante usada para realização de cópias dos originais, porém, pelo fato do vinil vir acompanhado de um preço mais acessível, essa pirataria não chegava a representar um risco.
Com o desemprego e a crise econômica do país, esse negócio passou a ser visto como uma nova fonte de renda. O comércio “pirata”, que já era um velho conhecido de outras indústrias, entrou com força total no mercado fonográfico brasileiro. Nesse momento as gravadoras passaram a ser atingidas por todas as direções: os “piratas da Máfia Chinesa”, o internauta pegando música na internet, a pessoa comum que passou a piratear e vender para garantir outra fonte de renda e o baixo assalariado que, atraído pelo preço, começou a comprar os “piratas”, muito mais em conta. Como se já não bastasse, muitos artistas brasileiros consagrados, em uma atitude de resposta aos altos preços e maus tratos das gravadoras, passaram a investir em uma fatia, até então, não explorada do mercado fonográfico – CDs de Banca de Jornal – iniciativa de sucesso, até certo ponto, atrelada a carreira solidificada desses artistas.
Em crise, as gravadoras recuaram seus investimentos e deixaram de lado o risco de novas contratações. Hoje as gravadoras são sustentadas pelos artistas de catálogo e pelos contratos de distribuição com pequenos selos (melhor opção para os novos artistas de um país que aboliu o compacto simples do mercado).
Agora, por fim, analisando as diversas campanhas contra a pirataria, a origem dessas campanhas e tudo mais que foi observado ao longo desses anos de mercado fonográfico, remeto-os ao título dessa matéria. Será que alguém seria capaz de responder?

Musicando a vida...

2001-01-01T17:03:00.001-02:00

O Música na Pauta nasceu com o objetivo de divulgar, comentar e discutir os mais diversos assuntos que movimentam essa indústria fascinante.

O foco por aqui não fica apenas na música. No Música na Pauta exploramos também a tecnologia que se mistura a todo o processo de criação e que é, nos dias de hoje, fundamental para a sobrevivência do mercado.

Aqui debatemos a música como arte... aqui debatemos a música como produto.

Contato

2001-01-01T16:56:00.001-02:00

Grite daí que eu grito daqui...

E-mail: claudiornr@gmail.com

Orkut: http://www.orkut.com.br/Main#Profile.aspx?rl=mp&uid=16233294518698139580

Mas quem é ele???

2001-01-01T16:50:00.001-02:00

Claudio Nascimento

Músico e Produtor Musical.

Formado em Tecnologia de Gravação e Produção Fonográfica pela Universidade Estácio de Sá. Passou por escolas ligadas às áreas musical e tecnológica como Rio Música, Escola de Música Dineyar Valente Plaza e Instituto Musical Banguense.

Atualmente trabalha com gravação, edição e operação de áudio em uma rádio universitária.